PELÍCULAS
Movie reviews
Hotel Royal
SINOPSIS
Después de quedarse sin dinero mientras viajaban con mochila en un pequeño pueblo dominado por hombres en el interior de Australia, dos amigos recurren a unas vacaciones de trabajo en el Royal Hotel. Cuando el comportamiento de los lugareños comienza a cruzar la línea, las chicas se encuentran atrapadas en una situación desconcertante que rápidamente se sale de su control.
Movie Short Review
English review
Pete Gleeson’s 2016 documentary “Hotel Coolgardie” might not have been a commercial hit, but it left a deep impression on those who saw it at film festivals. It narrates the experience of two Finnish tourists working in a bar in a remote Australian mining town, constantly facing sexist comments and behaviors from both the regular patrons and their manager. The strength of the documentary lies in its portrayal of the town’s toxic culture, so normalized that the blatant mistreatment of women went unquestioned, highlighting a disturbing acceptance of misogyny.
Inspired by “Hotel Coolgardie,” Kitty Green directs “The Royal Hotel,” transforming the documentary’s themes into a thriller that intensifies the original story in key aspects. The film introduces us to American tourists Hanna (Julia Garner) and Liv (Jessica Henwick), who, after running out of money while partying in Sydney, end up working in a dilapidated bar in a desolate mining town. Owned by Billy (Hugo Weaving), a middle-aged alcoholic, and his wife Carol (Ursula Yovich), the Royal Hotel becomes the setting for a harrowing few weeks. As the narrative unfolds, Green masterfully builds tension, focusing on Hanna’s growing unease with the bar’s patrons, particularly with the menacing Dolly (Daniel Henshall), while simultaneously maintaining a sense of impending danger lurking in the men’s aggressive behavior.
Green’s direction and nuanced performances, especially that of Julia Garner, elevate “The Royal Hotel” beyond a simple horror story, opting instead to explore the complex dynamics of gender, power, and culture. The film skillfully navigates the thin line between benign and threatening interactions, creating a suspenseful atmosphere without resorting to physical violence. However, the screenplay sometimes overemphasizes points already made through direction and performance, and the resolution feels somewhat unearned, leaning towards wish fulfillment. Despite these critiques, “The Royal Hotel” excels in creating a tension-filled narrative that reflects on broader issues of consent, masculinity, and the dangers women face, underscored by a strong central performance and a thoughtful exploration of its characters and setting.
Spanish review
El documental de Pete Gleeson, “Hotel Coolgardie” de 2016, quizás no se convirtió en un éxito comercial, pero dejó una profunda impresión en quienes lo vieron en festivales de cine. Narra la experiencia de dos turistas finlandesas trabajando en un bar en un remoto pueblo minero australiano, enfrentándose constantemente a comentarios y comportamientos sexistas tanto de los clientes habituales como de su gerente. La fuerza del documental radica en su representación de la cultura tóxica del pueblo, tan normalizada que el maltrato flagrante hacia las mujeres no se cuestionaba, subrayando una perturbadora aceptación del machismo.
Inspirada por “Hotel Coolgardie”, Kitty Green dirige “The Royal Hotel”, transformando los temas del documental en un thriller que intensifica la historia original en aspectos clave. La película nos presenta a las turistas estadounidenses Hanna (Julia Garner) y Liv (Jessica Henwick), quienes, tras quedarse sin dinero fiesteando en Sídney, terminan trabajando en un bar en decadencia en un desolado pueblo minero. Bajo la propiedad de Billy (Hugo Weaving), un alcohólico de mediana edad, y su esposa Carol (Ursula Yovich), el Royal Hotel se convierte en el escenario de unas semanas desgarradoras. A medida que se desarrolla la narrativa, Green construye magistralmente la tensión, centrándose en la creciente inquietud de Hanna con los clientes del bar, especialmente con el amenazante Dolly (Daniel Henshall), manteniendo al mismo tiempo una sensación de peligro inminente que acecha en el comportamiento agresivo de los hombres.
La dirección de Green y las actuaciones matizadas, especialmente la de Julia Garner, elevan “The Royal Hotel” más allá de una simple historia de terror, optando en cambio por explorar la compleja dinámica de género, poder y cultura. La película navega hábilmente la delgada línea entre interacciones benignas y amenazantes, creando una atmósfera llena de suspense sin recurrir a la violencia física. Sin embargo, el guion a veces enfatiza en exceso puntos ya expresados mediante la dirección y las actuaciones, y la resolución se siente algo inmerecida, inclinándose hacia la satisfacción de deseos. A pesar de estas críticas, “The Royal Hotel” sobresale al crear una narrativa cargada de tensión que reflexiona sobre cuestiones más amplias de consentimiento, masculinidad y los peligros que enfrentan las mujeres, subrayada por una actuación central sólida y una exploración cuidadosa de sus personajes y ambientación.
Hotel Royal – Trailer oficial
Movie information
// Scarlett Pictures, See-Saw Films, Fulcrum Media Finance.
// Director: Kitty Green
// Cast: Julia Garner, Jessica Henwick
SOBRE EL DIRECTOR
Kitty Green asistió al Victorian College of the Arts, donde estudió cine y televisión. Comenzó su carrera como directora de documentales. Su primer documental Ukraine Is Not a Brothel (2013) se centra en el movimiento feminista ucraniano “Femen”. Esta cinta ganó un premio AACTA al mejor largometraje documental australiano. Su siguiente proyecto fue el cortometraje The Face of Ukraine: Casting Oksana Baiul (2015) que ganó el premio al Mejor Cortometraje de No Ficción en el Festival de Cine de Sundance. Después del escándalo de Harvey Weinstein, Green aprovechó esto como una oportunidad para comenzar su viaje en la realización y dirección de películas de ficción. Quiso exponer la verdad sobre el acoso en el ambiente laboral, un evento tan repetitivo y perturbador que todavía ocurre hasta el día de hoy en el mundo moderno, a través de The Assistant (2019), su primera cinta de ficción.
Score
8.1 [...]
Movie reviews
How to Have Sex
SINOPSIS
Tres adolescentes británicas se van de vacaciones para celebrar sus ritos de iniciación: beber, salir de fiesta y ligar, en lo que debería ser el mejor verano de sus vidas.
Movie Short Review
English review
Molly Manning Walker’s directorial debut, “How To Have Sex,” explores the complex terrain of female adolescence through the experiences of three best friends: Tara (Mia McKenna-Bruce), Skye (Lara Peake), and Em (Enva Lewis), who travel to Malia after their exams with the goal of exploring their sexual freedoms. The film cleverly navigates the dichotomy between expectations and reality of this crucial life stage, distinguishing itself in the British cinema landscape, which has traditionally offered either grittier or more comedic takes on adolescence. Infused with the vibrant energy of youth and set against the backdrop of Brits abroad, it is characterized by its authentic representation of female friendship, underscored by a contemporary soundtrack.
The narrative evolves from comedic to a more serious exploration of sexual inexperience and its emotional repercussions, particularly through Tara’s journey. Her transition from exuberance to discomfort captures the often overlooked complexities of young female sexuality. McKenna-Bruce delivers a standout performance, reminiscent of the charismatic presence of Florence Pugh, establishing herself as a notable talent. Shaun Thomas, as Tara’s love interest, Badger, brings depth to a character that could seem cliché, adding charm to the film. Despite some first-feature missteps, Walker’s “How To Have Sex” stands out as a fresh and insightful addition to British cinema, addressing sensitive themes with a balance of humor and seriousness. It’s a film that transcends the superficial to offer a nuanced view of the challenges and joys of young womanhood, anchored by strong performances and a genuine portrayal of friendship and support.
Spanish review
El debut directorial de Molly Manning Walker, “Cómo tener sexo”, explora el complejo terreno de la adolescencia femenina a través de las experiencias de tres mejores amigas: Tara (Mia McKenna-Bruce), Skye (Lara Peake) y Em (Enva Lewis), quienes viajan a Malia tras sus exámenes con el objetivo de explorar sus libertades sexuales. La película navega con astucia la dicotomía entre las expectativas y la realidad de esta etapa crucial de la vida, distinguiéndose en el panorama del cine británico, el cual tradicionalmente ha ofrecido versiones más crudas o cómicas de la adolescencia. Impregnada de la energía vibrante de la juventud y con el telón de fondo de británicos en el extranjero, se caracteriza por su representación auténtica de la amistad femenina, subrayada por una banda sonora contemporánea.
La narrativa evoluciona de lo cómico a una exploración más seria de la inexperiencia sexual y sus repercusiones emocionales, especialmente a través del viaje de Tara. Su transición de la exuberancia al malestar captura las complejidades a menudo ignoradas de la sexualidad femenina joven. McKenna-Bruce ofrece una actuación destacada, que recuerda la presencia carismática de Florence Pugh, consolidándose como un talento notable. Shaun Thomas, en el papel del interés amoroso de Tara, Badger, aporta profundidad a un personaje que podría parecer cliché, añadiendo encanto a la película. A pesar de algunos errores propios de una primera obra, “Cómo tener sexo” de Walker se destaca como una adición fresca e insight a la cinematografía británica, abordando temas sensibles con un equilibrio entre humor y seriedad. Es una película que trasciende lo superficial para ofrecer una visión matizada de los desafíos y alegrías de la juventud femenina, anclada por actuaciones sólidas y una representación genuina de la amistad y el apoyo.
How to Have Sex – Trailer oficial
Movie information
// British Film Institute, Film4 Productions, Wild Swim Films
// Director: Molly Manning Walker
// Cast: Mia McKenna-Bruce, Samuel Bottomley, Lara Peake, Enva Lewis, Daisy Jelley
Score
8 [...]
Movie reviews
Imaginary
SINOPSIS
Cuando Jessica (DeWanda Wise) vuelve con su familia a la casa de su infancia, Alice (Pyper Braun), su hijastra más pequeña, comienza a desarrollar un extraño apego hacia Chauncey, el oso de peluche que encuentra en el sótano. En un primer momento, Alice y Chauncey se entretienen con juegos aparentemente divertidos que, poco a poco, irán volviéndose más siniestros y peligrosos. A medida que el comportamiento de Alice se va volviendo más inquietante, Jessica decide intervenir, pero cuando lo hace se da cuenta de que Chauncey es mucho más que un inofensivo oso de peluche.
Movie Short Review
English review
“Imaginary” joins the saturated category of uninspiring horror films that revolve around the theme of malevolent children’s toys, failing to bring anything new to a genre riddled with clichés. The film, borrowing elements from a wide range of horror movies, notably “Coraline,” is filled with predictable elements such as creepy basements, disturbing characters, and supernatural occurrences, culminating in a plot centered around a teddy bear with evil intentions. Directed by Jeff Wadlow and starring DeWanda Wise and Tom Payne, the story focuses on Jessica, a children’s book author, who, along with her family, moves back to her childhood home, triggering a series of sinister events linked to a teddy bear named Chauncey, found by her stepdaughter Alice. As the family settles in, Alice’s interaction with Chauncey, which starts off innocently, soon turns sinister, suggesting a deeper, darker connection to Jessica’s past.
The narrative attempts to build suspense with the inclusion of mysterious characters and cryptic clues about Jessica’s childhood and her experiences with imaginary friends. However, the execution falls short due to cliché-ridden storytelling and unconvincing performances, especially in the portrayal of the supernatural elements and the villainous teddy bear, Chauncey, whose presence fails to evoke the intended fear or intrigue. The film’s visuals and dialogue do little to enhance the story, offering a generic and monotonous horror experience that struggles to capture the audience’s attention or deliver any significant scares. Despite occasional nods to other horror classics and an underlying theme that explores the nature of imaginary friendships, “Imaginary” lacks the creativity and suspense necessary to stand out in the horror genre.
Ultimately, “Imaginary” fails to deliver a compelling horror film, relying too heavily on familiar tropes and a narrative that fails to captivate. The performances, while adequate, cannot save the film from its derivative plot and uninspired villain, making it a forgettable addition to the genre. The attempt to distinguish itself with practical effects and a critique of the use of modern CGI in horror does little to redeem the overall lack of originality and excitement. The film’s conclusion, aiming for a twist, ends up feeling forced and unsatisfactory, leaving viewers with the sense that much more could have been done to explore the intriguing premise of imaginary friendships gone awry.
Spanish review
“Imaginary” se suma a la saturada categoría de películas de terror poco inspiradoras que giran en torno al tema de juguetes infantiles malévolos, sin aportar novedades a un género plagado de clichés. La película, que toma prestados elementos de una amplia gama de filmes de terror, especialmente de “Coraline”, está repleta de elementos predecibles como sótanos inquietantes, personajes perturbadores y sucesos sobrenaturales, desembocando en una trama centrada en un oso de peluche con intenciones malvadas. Dirigida por Jeff Wadlow y protagonizada por DeWanda Wise y Tom Payne, la historia se enfoca en Jessica, una autora de libros infantiles, quien junto con su familia se muda a la que fuera su casa de infancia, desencadenando una serie de eventos siniestros vinculados a un oso de peluche llamado Chauncey, encontrado por su hijastra Alice. A medida que la familia se instala, la interacción de Alice con Chauncey, que comienza siendo inocente, pronto se torna siniestra, insinuando una conexión más profunda y oscura con el pasado de Jessica.
La narrativa intenta construir suspense con la inclusión de personajes misteriosos y pistas crípticas sobre la infancia de Jessica y sus experiencias con amigos imaginarios. Sin embargo, la ejecución se queda corta debido a una narrativa plagada de clichés y actuaciones poco convincentes, especialmente en la representación de los elementos sobrenaturales y del villano, el oso de peluche Chauncey, cuya presencia no logra evocar el temor o el interés deseado. Las visuales y el diálogo de la película hacen poco por realzar la historia, ofreciendo una experiencia de terror genérica y monótona que lucha por captar la atención de la audiencia o proporcionar algún susto significativo. A pesar de las ocasionales referencias a otros clásicos del terror y un tema subyacente que explora la naturaleza de las amistades imaginarias, “Imaginary” carece de la creatividad y el suspense necesarios para destacarse en el género del terror.
En definitiva, “Imaginary” no logra entregar una película de terror convincente, apoyándose excesivamente en tropos familiares y una narrativa que no logra cautivar. Las actuaciones, aunque adecuadas, no pueden salvar a la película de su trama derivativa y su villano sin inspiración, convirtiéndola en una adición olvidable al género. El intento de distinguirse con efectos prácticos y una crítica al uso de CGI moderno en el terror hace poco por redimir la falta general de originalidad y emoción. La conclusión de la película, que busca sorprender con un giro, termina sintiéndose forzada e insatisfactoria, dejando a los espectadores con la sensación de que se podría haber hecho mucho más para explorar la intrigante premisa de amistades imaginarias que toman un camino equivocado.
Imaginary – Trailer oficial
Movie information
// Lionsgate
// Director: Jeff Wadlow
// Cast: DeWanda Wise, Tom Payne, Taegen Burns, Pyper Braun, Veronica Falcón
SOBRE EL DIRECTOR
Se graduó en el Dartmouth College antes de asistir al Peter Stark Producing Program en la Escuela de Cine y Televisión de la Universidad de California del Sur, donde recibió el reconocimiento de recibir una beca USC Associates Endowment por sus logros académicos y fue uno de los diez finalistas a nivel nacional para el premio Coca-Cola Refreshing Filmmaker. Durante su último año en las escuela de cine, concibió y dirigió el corto The Tower of Babble (narrado por Kevin Spacey, sin acreditar), que fue seleccionado para una subvención Stark Special Projects. El corto recibió grandes aclamaciones en las secciones oficiales de más de treinta festivales de cine nacionales e internacionales, consiguiendo más de una docena de premios.
En su primer año fuera de la escuela, Wadlow recibió el premio George Méliès a la Innovación esponsorizado por Kodak, realizó una presentación de su corto en la gala de apertura del Festival de Cine de Virginia y se proyectó en la noche de los jóvenes directores del Museum of Art de Los Angeles County. También consiguió el gran premio del primer Chrysler Million Dollar Film Festival – una subvención de un millón de dólares para la realización de su primer largometraje. La película, llamada Cry Wolf, fue estrenada por Focus Features recaudando más de diez veces su presupuesto inicial en las taquillas, y recibiendo críticas espléndidas en múltiples publicaciones, incluyendo el LA Times y el New York Post. Durante los últimos tres años, Wadlow ha trabajado como director creativo y mentor para The Adrenaline Film Project, un programa que fundó para ayudar a aspirantes a cineastas de todas las edades a concebir, producir y rodar un cortometraje en sólo 72 horas.
Score
4 [...]
Movie reviews
Radical
SINOPSIS
En una ciudad fronteriza mexicana plagada de abandono, corrupción y violencia, un profesor frustrado prueba un nuevo método radical para romper la apatía de sus alumnos y desbloquear su curiosidad, su potencial… y puede que incluso su genialidad. Basada en una historia real.
Movie Short Review
English review
“Radical” tells the inspiring true story of Sergio Juárez Correa, a teacher in Matamoros, Mexico, who challenged the limitations imposed on his students by their socio-economic situation and the conventional education system. Played by Eugenio Derbez, Sergio believed in empowering his students to think independently, challenging the notion that standardized tests are the sole measure of intelligence. Although the film, directed and written by Christopher Zalla, can sometimes be predictable, it stands out for its portrayal of the resilience and potential of youth, highlighted by the compelling performances of its young cast. The story deeply moves when addressing the premature loss of potential in children from disadvantaged situations, emphasizing the broad implications of educational and social inequality.
Set in 2011, it follows Sergio as he navigates the challenges of teaching in a community besieged by poverty and crime. Despite facing obstacles such as the school’s dilapidated infrastructure and a lack of resources, Sergio’s dedication to his students remains steadfast. He strives to broaden their horizons by introducing them to the internet, hoping to inspire a departure from traditional rote learning methods. The narrative is vividly brought to life thanks to the cinematography of Mateo Londoño, capturing the harsh realities of Matamoros without exploiting its subjects. As Sergio fights against the apathy of the school administration and the lure of gang life threatening his students, we see his individualized approach to each child’s needs, whether it’s encouraging Nico, the class clown, to find his voice or supporting Paloma’s ambitious dream of becoming an astronaut.
Despite some elements of melodrama, Derbez’s portrayal of Sergio is marked by a sincere commitment to the transformative power of education. The film greatly benefits from the naturalistic performances of its young actors, particularly Jennifer Trejo as Paloma, who, despite her circumstances, dares to dream of the stars. “Radical” explores the impact of poverty on education and the importance of learning to learn, a concept that Sergio champions against an education system obsessed with quantifiable success. However, the film’s adherence to a formulaic narrative structure slightly undermines its message of innovation and critical thinking. Nonetheless, “Radical” offers a poignant reflection on the challenges and triumphs of education in adverse conditions, emphasizing the need for a more thoughtful and holistic approach to teaching and learning.
Spanish review
“Radical” relata la inspiradora historia real de Sergio Juárez Correa, un maestro en Matamoros, México, que desafió las limitaciones impuestas a sus estudiantes por su situación socioeconómica y el sistema educativo convencional. Interpretado por Eugenio Derbez, Sergio creía en empoderar a sus alumnos para que pensaran de manera independiente, desafiando la noción de que los exámenes estandarizados son la única medida de la inteligencia. Aunque la película, dirigida y escrita por Christopher Zalla, a veces puede predecirse, destaca por su representación de la resiliencia y el potencial de la juventud, resaltada por las convincentes actuaciones de su joven elenco. La historia conmueve profundamente al abordar la pérdida prematura del potencial en niños en situaciones desfavorecidas, destacando las amplias implicaciones de la desigualdad educativa y social.
Ambientada en 2011, sigue a Sergio mientras navega por los desafíos de enseñar en una comunidad asediada por la pobreza y el crimen. A pesar de enfrentarse a obstáculos como la infraestructura deteriorada de la escuela y la falta de recursos, la dedicación de Sergio hacia sus estudiantes permanece inquebrantable. Se esfuerza por ampliar sus horizontes introduciéndolos al internet, con la esperanza de inspirar una salida del método tradicional de aprendizaje de memoria. La narrativa cobra vida gracias a la cinematografía de Mateo Londoño, que captura las duras realidades de Matamoros sin explotar a sus sujetos. Mientras Sergio lucha contra la apatía de la administración escolar y la tentación de la vida de pandillas que amenaza a sus estudiantes, vemos su enfoque individualizado para las necesidades de cada niño, ya sea animando a Nico, el payaso de la clase, a encontrar su voz, o apoyando el sueño ambicioso de Paloma de convertirse en astronauta.
A pesar de ciertos elementos melodramáticos, la interpretación de Derbez de Sergio se caracteriza por un compromiso sincero con el poder transformador de la educación. La película se beneficia enormemente de las actuaciones naturalistas de sus jóvenes actores, especialmente de Jennifer Trejo como Paloma, quien, a pesar de sus circunstancias, se atreve a soñar con las estrellas. “Radical” explora el impacto de la pobreza en la educación y la importancia de aprender a aprender, un concepto que Sergio defiende en un sistema educativo obsesionado con el éxito cuantificable. Sin embargo, la adhesión de la película a una estructura narrativa formulaica socava ligeramente su mensaje de innovación y pensamiento crítico. Aun así, “Radical” ofrece una reflexión conmovedora sobre los desafíos y triunfos de la educación en condiciones adversas, subrayando la necesidad de un enfoque más reflexivo y holístico en la enseñanza y el aprendizaje.
Radical – Trailer oficial
Movie information
// 3Pas Studios
// Director: Christopher Zalla
// Cast: Eugenio Derbez, Daniel Haddad, Gilberto Barraza, Jennifer Trejo, Mia Fernanda Solis, Danilo Guardiola
Score
7.5 [...]
Movie reviews
Los niños de Winton
SINOPSIS
Un joven corredor de bolsa británico, Nicholas “Nicky” Winton (Anthony Hopkins), ayudó a rescatar a cientos de niños de los nazis en vísperas de la Segunda Guerra Mundial, con la ayuda de su madre (Helena Bonham Carter). Un acto de compasión casi olvidado durante 50 años, y del que Nicky vive atormentado por los fantasmas de los niños a los que no pudo rescatar, culpándose por no haber hecho más.
Movie Short Review
English review
“The famous line from the Talmud, ‘Whoever saves one life saves the world entire,’ reached millions of new ears around the globe when quoted by Ben Kingsley in the closing scenes of Schindler’s List. This handsome and soberly stirring period piece focuses on another savior of souls in wartime Europe: Nicholas Winton, a Hampstead-born stockbroker who traveled to Czechoslovakia in 1938. From there, he helped more than 600 children, most of them Jewish, to find foster homes in Britain, all while Hitler’s army loomed at the country’s borders. Winton’s long-unsung efforts were brought to national attention in 1988 when his story was featured on the BBC magazine show ‘That’s Life!’, a cathartic moment cleverly used as the natural climax of this retelling of his heroic deeds. Portrayed as an older man by Anthony Hopkins, with subtle wit and moving restraint, and as a younger man by Johnny Flynn, who brings genuine period-drama flair while beautifully mirroring Hopkins’s manner and speech in flashback scenes.
After personally witnessing the desperate situation upon being summoned to Prague by his friend Martin Blake (Alex Sharp), the young Nicholas springs into action. He forms a children’s wing of the British Committee for Refugees from Czechoslovakia, enlisting his assertive German-Jewish mother (Helena Bonham-Carter, in a blustery now-see-here-young-man mode) to press the Home Office into quickly processing the necessary documents. The core creative team, director James Hawes of “Black Mirror” and “Slow Horses” fame, along with screenwriters Lucinda Coxon and Nick Drake, clearly understand the potency of their material, adopting a hands-off approach to their adaptation. They don’t craft especially artful connections between past and present timelines, and Nicholas himself is not given a conventional backstory. He is portrayed simply as a noble, unassuming individual, which limits the range of emotions Hopkins and Flynn are asked to convey throughout the film.
The re-enactment of the pivotal “That’s Life!” segment might carry a hint of appropriated valor. Initially, the film humorously criticizes the show’s unsophisticated tackiness—with Hopkins, TV dinner in lap, reaching in dismay for the remote—but later, it almost meticulously recreates it to elicit the emotional reaction it seeks from the audience. (Theatre actress Samantha Spiro delivers a commendable, non-imitative performance as Esther Rantzen.) Nevertheless, this scene is not merely a cheap trick but resonates with a deep, understated power that quietly emphasizes the moral imperative highlighted by its protagonist’s life. This narrative, while occasionally straying into melodramatic territory, ultimately serves as a poignant reminder of the impact one person can have on the lives of many, echoing the timeless message that to save one life is to save the world entire.
Spanish review
El famoso verso del Talmud, “Quien salva una vida, salva al mundo entero”, resonó en los oídos de millones de personas en todo el mundo cuando fue citado por Ben Kingsley en las escenas finales de la Lista de Schindler. Esta pieza de época, tanto elegante como emocionantemente sobria, se centra en otro salvador de almas en la Europa en guerra: Nicholas Winton, un corredor de bolsa nacido en Hampstead que viajó a Checoslovaquia en 1938, desde donde ayudó a más de 600 niños, la mayoría de ellos judíos, a encontrar hogares de acogida en Gran Bretaña, todo ello mientras el ejército de Hitler presionaba en las fronteras de su país. El trabajo largo tiempo no reconocido de Winton se convirtió en noticia nacional en 1988, cuando su historia fue contada en el programa de revista de la BBC “That’s Life!”, y este momento catártico ya preparado es astutamente utilizado como el clímax natural de esta reiteración de sus hazañas heroicas. Interpretado como un hombre mayor por Anthony Hopkins, con un ingenio sutil y una restricción conmovedora, y como uno más joven por Johnny Flynn, quien añade un verdadero dinamismo de drama de época mientras refleja bellamente el comportamiento y la dicción de Hopkins en sus escenas de flashback.
Después de ver por sí mismo la situación desesperada al ser convocado a Praga por su amigo Martin Blake (Alex Sharp), el joven Nicholas simplemente pasa a la acción, formando una sección infantil del Comité Británico para los Refugiados de Checoslovaquia y enlistando a su madre alemana-judía brusca (Helena Bonham-Carter, en un modo tormentoso de ahora-veamos-aquí-joven) para presionar a la Oficina del Interior para que procesara los documentos necesarios con rapidez. El equipo creativo central, el director James Hawes, conocido por “Black Mirror” y “Slow Horses”, y los guionistas Lucinda Coxon y Nick Drake, claramente saben que tienen en sus manos un buen material, y su adaptación denota un enfoque de no intervención. No se establecen conexiones especialmente artísticas entre las líneas de tiempo pasadas y presentes, mientras que al propio Nicholas no se le da mucho en términos de trasfondo convencional. Simplemente es una persona noble y modesta, lo que limita la variedad de matices que Hopkins y Flynn pueden interpretar a lo largo de la película.
Quizás haya también un dejo de valor robado en la recreación del crítico segmento de “That’s Life!”. Al principio, la película se burla abiertamente de la torpeza sin arte del programa, con Hopkins, con la cena en el regazo, buscando el control remoto con consternación, pero luego sigue esencialmente sus pasos para extraer del público la respuesta emocional que el momento exige. (La actriz de teatro Samantha Spiro hace una excelente y no imitativa Esther Rantzen.) Sin embargo, incluso así, la escena no es un golpe bajo, sino que resuena con un poder profundo y sobrio que subraya silenciosamente el llamado moral a las armas planteado por la propia vida de su sujeto.
Los niños de Winton – Trailer oficial
Movie information
// BBC Film, MBK Productions, See-Saw Films, Cross City Films, Filmnation Entertainment
// Director: James Hawes
// Cast: Anthony Hopkins, Lena Olin, Johnny Flynn, Helena Bonham Carter
Score
8 [...]
Movie reviews
The beast
SINOPSIS
En un futuro cercano, donde la inteligencia artificial reina, las emociones se han convertido en una amenaza. Para librarse de ellas, la joven Gabrielle decide purificar su ADN en una máquina que la sumergirá en sus vidas pasadas. Allí se reencuentra con Louis, su gran amor. Pero está abrumada por el miedo y por la sensación de que la catástrofe se avecina. Un historia ambientada en tres períodos distintos: 1910, 2014 y 2044.
Movie Short Review
English review
This year, French cinema has taken a bold leap forward with two experimental adaptations of Henry James’s 1903 novella, “The Beast in the Jungle.” The first adaptation, by Patric Chiha, reimagines the story within the context of late 20th-century Parisian nightlife, while Bertrand Bonello’s “The Beast” presents a daring mix of genres, combining elements of thriller, dystopian futurism, and heritage cinema into a retro-futuristic hybrid. Bonello’s film, in particular, explores contemporary themes such as artificial intelligence, incel culture, and the impact of the digital era on the human soul, all while maintaining a refined psychological depth reminiscent of James’s original work. The involvement of Léa Seydoux and George MacKay adds allure to the film’s uncompromising exploration of these themes, promising to captivate audiences open to intellectual challenges.
Bonello’s adaptation introduces a gender reversal to James’s tale of a doomed relationship and an elusive epiphany, casting Seydoux as the protagonist awaiting a fateful destiny. The narrative spans different eras, from an early 20th-century Paris soirée to a dystopian future where AI has seemingly perfected society, yet human emotions are considered flaws. Seydoux’s character, Gabrielle, navigates through her past lives, including a stint in 2014 Los Angeles as a struggling French actress, highlighting the isolating and often superficial nature of Hollywood. This storyline is punctuated with moments of dark humor and critique of incel culture, as Seydoux’s encounters in L.A. reflect her experiences in a future society that both echoes and contrasts with her past.
“The Beast” intricately weaves its narrative threads, creating a rich tapestry of interconnected stories that span different times and places. The film’s visual narrative, complemented by Josée Deshaies’s elegant cinematography and Katia Wyszkop’s design, showcases the versatility of the lead actors as they embody the various incarnations of their characters. The film not only addresses pressing contemporary issues but also reflects Bonello’s ongoing engagement with the complexities of modern life and identity. Through its blend of historical depth, speculative fiction, and cultural commentary, “The Beast” stands as a testament to the enduring power and adaptability of French cinema, challenging audiences to engage with its profound and provocative themes.
Spanish review
Este año, el cine francés ha dado un audaz salto adelante con dos adaptaciones experimentales de la novela corta de Henry James de 1903, “La Bestia en la Jungla”. La primera adaptación, realizada por Patric Chiha, reimagina la historia en el contexto de la vida nocturna parisina de finales del siglo XX, mientras que “La Bestia” de Bertrand Bonello presenta una audaz mezcla de géneros, combinando elementos de thriller, futurismo distópico y cine patrimonial en un híbrido retro-futurista. En particular, la película de Bonello explora temas contemporáneos como la inteligencia artificial, la cultura incel y el impacto de la era digital en el alma humana, todo ello manteniendo una profundidad psicológica refinada que recuerda a la obra original de James. La participación de Léa Seydoux y George MacKay añade atractivo a la intransigente exploración de estos temas por parte de la película, prometiendo cautivar a audiencias abiertas a desafíos intelectuales.
La adaptación de Bonello introduce un cambio de género en la historia de James sobre una relación condenada y una epifanía esquiva, asignando a Seydoux el papel de la protagonista que espera un destino fatídico. La narrativa abarca diferentes épocas, desde una soirée parisina de principios del siglo XX hasta un futuro distópico donde la IA ha perfeccionado aparentemente la sociedad, pero las emociones humanas se consideran defectos. El personaje de Seydoux, Gabrielle, navega a través de sus vidas pasadas, incluyendo un período en 2014 en Los Ángeles como una actriz francesa en apuros, destacando la naturaleza aislante y a menudo superficial de Hollywood. Esta línea narrativa está salpicada de momentos de humor negro y crítica a la cultura incel, ya que los encuentros de Seydoux en L.A. reflejan sus experiencias en una sociedad futura que tanto hace eco como contrasta con su pasado.
“La Bestia” entrelaza intrincadamente sus hilos narrativos, creando un rico tapiz de historias interconectadas que abarcan diferentes tiempos y lugares. La narrativa visual de la película, complementada por la elegante cinematografía de Josée Deshaies y el diseño de Katia Wyszkop, muestra la versatilidad de los actores principales al encarnar las diversas encarnaciones de sus personajes. La película no solo aborda temas contemporáneos urgentes, sino que también refleja el compromiso continuo de Bonello con las complejidades de la vida moderna y la identidad. A través de su combinación de profundidad histórica, ficción especulativa y comentario cultural, “La Bestia” se erige como un testimonio del poder perdurable y la adaptabilidad del cine francés, desafiando al público a involucrarse con sus temas profundos y provocativos.
The Beast – Oficial trailer
Movie information
// Les Films du Bélier, My New Picture, Sons of Manual, arte France Cinéma, Eurimages
// Director: Bertrand Bonello
// Cast: Léa Seydoux, George MacKay, Dasha Nekrasova, Julia Faure, Guslagie Malanda
Score
8 [...]
Movie reviews
Suncoast
SINOPSIS
Una adolescente que vive con su madre debe llevar a su hermano a vivir a un centro especializado. Allí, entabla una inesperada amistad con un activista excéntrico en medio de protestas en torno a casos médicos controvertidos.
Movie Short Review
English review
“Suncoast,” a film that delves into the complexities of coming of age under the shadow of death, is a deeply autobiographical work by writer and director Laura Chinn. It presents a human drama on a small scale, tenderly examining the lives of its characters, particularly through Doris, portrayed by Nico Parker. Doris is an awkward teenager struggling with invisibility and lack of autonomy in a challenging world, facing family hardships including her brother Max’s terminal illness and her mother’s cynical dismissal of faith. Set against a backdrop of financial struggles and personal sacrifice, Doris’s story, although occasionally veering into formulaic territory, resonates with genuine sympathy and reflection on the ephemeral nature of life.
The plot thickens with the introduction of Paul, played by Woody Harrelson, a Christian activist marked by personal loss, whose life mirrors the grief enveloping Doris’s family. Despite the clichés surrounding his character, Harrelson endows Paul with sincere empathy that transcends the script’s more simplistic moments, inviting both the characters and the audience to reconsider their perceptions of life, death, and the connections that sustain us. As Doris begins to come out of her shell, influenced by a group of “friends” from school who initially seem to take advantage of her, the film shifts its focus from the solitary pain of its protagonists to the shared experiences that define our humanity, marking a transition to a communal exploration of grief and growth.
Despite its unremarkable plot and a screenplay that sometimes succumbs to clichés, “Suncoast” shines through its performances and the sensitive direction of Chinn, allowing the emotional truths of its characters to resonate with authenticity. Laura Linney delivers a multifaceted performance as Kristine, Doris’s mother, a woman consumed by relentless grief, balancing the harsh realities of her life with moments of unexpected tenderness. Similarly, Parker’s portrayal of Doris captures the tumultuous journey of adolescence, overshadowed by familial duty and the looming loss of a loved one, offering viewers a deeply relatable figure. Through its exploration of these intricate emotional landscapes, “Suncoast” invites its audience to embrace the complexity of its characters’ lives, weaving a narrative rich in empathy and a nuanced portrayal of enduring human resilience.
Spanish review
“Suncoast,” una película que explora las complejidades del paso a la adultez bajo la sombra de la muerte, es una obra profundamente autobiográfica de la escritora y directora Laura Chinn. Esta presenta un drama humano a pequeña escala que examina con ternura las vidas de sus personajes, especialmente a través de Doris, interpretada por Nico Parker. Doris es una adolescente torpe que lucha con la invisibilidad y la falta de autonomía en un mundo desafiante, enfrentándose a las dificultades familiares, incluida la enfermedad terminal de su hermano Max y el desdén cínico de su madre hacia la fe. Ambientada contra el telón de fondo de las luchas financieras y el sacrificio personal, la historia de Doris, aunque a veces cae en territorios formuláicos, resuena con una auténtica simpatía y reflexión sobre la naturaleza efímera de la vida.
La trama se complica aún más con la introducción de Paul, interpretado por Woody Harrelson, un activista cristiano marcado por la pérdida personal, cuya vida refleja el duelo que envuelve a la familia de Doris. A pesar de los clichés que rodean a su personaje, Harrelson dota a Paul de una empatía sincera que supera los momentos más simplistas del guion, invitando tanto a los personajes como a la audiencia a replantearse sus percepciones sobre la vida, la muerte y las conexiones que nos sostienen. A medida que Doris comienza a salir de su caparazón, influenciada por un grupo de “amigas” de la escuela que inicialmente parecen aprovecharse de ella, la película desplaza su enfoque del dolor solitario de sus protagonistas hacia las experiencias compartidas que definen nuestra humanidad, marcando una transición hacia una exploración comunitaria del duelo y el crecimiento.
A pesar de su trama poco destacada y un guion que a veces cede ante los clichés, “Suncoast” brilla gracias a sus actuaciones y la dirección sensible de Chinn, que permite que las verdades emocionales de sus personajes resuenen con autenticidad. Laura Linney ofrece una interpretación multifacética como Kristine, la madre de Doris, una mujer consumida por un duelo implacable, equilibrando las duras realidades de su vida con momentos de ternura inesperada. Del mismo modo, la interpretación de Parker como Doris capta el tumultuoso viaje de la adolescencia, eclipsado por el deber familiar y la pérdida inminente de un ser querido, ofreciendo a los espectadores una figura profundamente identificable. A través de su exploración de estos complejos paisajes emocionales, “Suncoast” invita a su audiencia a abrazar la complejidad de la vida de sus personajes, tejiendo una narrativa rica en empatía y una representación matizada de la resiliencia humana duradera.
Suncoast – Trailer oficial
Movie information
// Fox Searchlight
// Director: Laura Chinn
// Cast: Nico Parker, Woody Harrelson, Laura Linney, Matt Walsh, Scott MacArthur
Score
6.5 [...]
Movie reviews
Kung Fu Panda 4
SINOPSIS
Po se prepara para ser el líder espiritual del Valle de la Paz, buscando un sucesor como Guerrero Dragón. Mientras entrena a un nuevo practicante de kung fu, enfrenta al villano llamado “el Camaleón”, que evoca villanos del pasado, desafiando todo lo que Po y sus amigos han aprendido.
Movie Short Review
English review
The trend of top-tier actors lending their voices to animated films has yielded mixed results, from notable achievements to forgettable efforts. However, Jack Black consistently stands out as an exception, fully committing to every role he takes on, including the villainous Bowser in “The Super Mario Bros. Movie.” His over-the-top performance was a highlight in a film that otherwise wouldn’t have made much of an impact. In his most iconic voice role, Po in the “Kung Fu Panda” series, Black demonstrates his ability to add depth and charisma to animated characters. From the original trilogy to the fourth movie, Black’s enthusiasm for his character has been a key ingredient in the series’ success, helping to maintain its appeal even when the plots seem familiar or recycled.
“Kung Fu Panda 4” continues the adventures of Po as the Dragon Warrior, balancing his responsibilities with the challenges of potential new villains and the task of finding a successor. The film introduces a new antagonist, the shapeshifting sorceress Chameleon, voiced by Viola Davis, and a mysterious fox thief, Zhen, played by Awkwafina. While the narrative explores themes of self-doubt and responsibility similar to those in previous entries, it struggles with predictability and fails to fully develop its new characters or the setting of Juniper City. Despite these shortcomings, the film excels in its action sequences and visual splendor, continuing the franchise’s reputation for delivering thrilling animated combat and impressively rendered environments.
Despite its familiar plot, “Kung Fu Panda 4” benefits from the strong performances of its cast, particularly Black and Awkwafina, whose chemistry adds a dynamic layer to the film. The movie’s moral lessons on accepting change and the potential for personal growth resonate, even as the film itself falls into the trap of relying on past successes rather than forging new paths. Although the sequel may not be essential, it provides enough entertainment and visual appeal to be a valuable addition to the “Kung Fu Panda” saga, demonstrating the enduring appeal of its beloved characters and the richly animated world they inhabit.
Spanish review
La tendencia de actores de primer nivel prestando sus voces para películas animadas ha tenido resultados variados, desde logros notables hasta esfuerzos olvidables. Sin embargo, Jack Black se destaca consistentemente como una excepción, comprometiéndose plenamente con cada papel que interpreta, incluido el malvado Bowser en “La Película de Super Mario Bros.” Su actuación exagerada sobresalió en una película que, de otro modo, no habría dejado mucha huella. En su papel de voz más icónico, Po en la serie de “Kung Fu Panda”, Black demuestra su habilidad para aportar profundidad y carisma a los personajes animados. Desde la trilogía original hasta la cuarta película, el entusiasmo de Black por su personaje ha sido un ingrediente clave en el éxito de la serie, ayudando a mantener su atractivo incluso cuando las tramas parecen familiares o recicladas.
“Kung Fu Panda 4” continúa con las aventuras de Po como el Guerrero Dragón, equilibrando sus responsabilidades con los desafíos de nuevos villanos potenciales y la tarea de encontrar un sucesor. La película introduce una nueva antagonista, la hechicera cambiante Chameleon, con voz de Viola Davis, y una misteriosa ladrona zorra, Zhen, interpretada por Awkwafina. Aunque la narrativa explora temas de auto duda y responsabilidad similares a los de las entradas anteriores, lucha con su previsibilidad y falla en desarrollar completamente a sus nuevos personajes o el escenario de Juniper City. A pesar de estas deficiencias, la película destaca en sus secuencias de acción y esplendor visual, continuando la reputación de la franquicia por ofrecer combates animados emocionantes y entornos impresionantemente renderizados.
A pesar de su trama familiar, “Kung Fu Panda 4” se beneficia de las fuertes actuaciones de su elenco, en particular de Black y Awkwafina, cuya química añade una capa dinámica a la película. Las lecciones morales sobre aceptar el cambio y el potencial de crecimiento personal resuenan, incluso cuando la película misma cae en la trampa de depender de éxitos pasados en lugar de abrir nuevos caminos. Aunque la secuela puede no ser esencial, ofrece suficiente entretenimiento y atractivo visual para ser una adición valiosa a la saga de “Kung Fu Panda”, demostrando el atractivo perdurable de sus queridos personajes y el mundo ricamente animado que habitan.
Kung Fu Panda 4 – Trailer oficial
Movie information
// DreamWorks Animation
// Director: Mike Mitchell y Stephanie Stine
// Cast: Jack Black, Awkwafina, Viola Davis, Dustin Hoffman
Score
7 [...]
Movie reviews
Damsel
SINOPSIS
La boda de una joven con un príncipe encantador se convierte en una encarnizada lucha por sobrevivir cuando la ofrecen como sacrificio a una dragona escupefuego.
Movie Short Review
English review
From the outset, Juan Carlos Fresnadillo’s film “Damsel” seeks to subvert traditional fairy tale narratives, highlighting through its opening narration that this is not a story of heroic knights and chivalry. Instead, we see Millie Bobby Brown’s character embodying a damsel who rescues herself, using her wits and fury to navigate through dangers. This approach, aiming to showcase a strong female lead capable of overcoming adversity without the need for a knight’s rescue, is presented as a refreshing concept, though it might have seemed more innovative at the time of its announcement in 2020. The story, imbued with fairy tale elements, revolves around a centuries-old struggle involving brave soldiers, a besieged kingdom, and an evil dragon, all set in a world where decisions often lead to unforeseen consequences, flashbacks enrich the narrative, and the dialogue can seem somewhat rough. Despite these narrative choices, the film benefits from attractive action sequences and Brown’s compelling performance.
In this reimagined fairy tale, the plot centers on Elodie, portrayed by Brown, the determined daughter of Lord Bayford, played by Ray Winstone. Elodie is introduced as a leader with a strong sense of duty and compassion, willing to engage in physical labor to support her people facing desperate conditions. Her narrative arc challenges traditional expectations as she rejects an offer from a sinister figure proposing an escape to a wealthier kingdom, emphasizing her values and the importance of facing challenges directly. The story progresses as Elodie’s journey takes her to the luxurious kingdom of Aurea, filled with intrigue and gold but overshadowed by ominous traditions. Her marriage to Prince Henry leads her to a dangerous ceremony and, ultimately, a confrontation with a dragon, weaving themes of bravery, self-discovery, and the fight against daunting traditions.
Dan Mazeau’s screenplay introduces twists and characters that enrich the narrative, such as Angela Bassett’s role as a benevolent stepmother and details about Elodie’s interests that add depth to her character. The underlying message celebrates the idea that women are capable of being heroines in their own stories, regardless of the setting or era. Despite some narrative and thematic inconsistencies, Fresnadillo’s direction and world-building, along with strategic scares and a nuanced portrayal of the dragon, provide the foundation for an engaging fantasy tale. However, the film leaves some plot points and character arcs unexplored, resulting in a story that feels like it could have delved deeper into its own mythology. As Fresnadillo moves on to adapt “The Sword in the Stone” for Disney+, “Damsel” offers lessons on how to balance innovative storytelling with the depth and clarity needed to fully realize its ambitious fairy tale revisioning.
Spanish review
Desde el inicio, la película “Damsel” de Juan Carlos Fresnadillo busca subvertir las narrativas tradicionales de los cuentos de hadas, destacando a través de su narración inicial que esta no es una historia de caballeros heroicos y caballería. En su lugar, vemos al personaje de Millie Bobby Brown encarnando a una damisela que se rescata a sí misma, utilizando su ingenio y furia para navegar a través de los peligros. Este enfoque, que pretende mostrar a una protagonista femenina fuerte capaz de superar adversidades sin necesidad del rescate de un caballero, se presenta como un concepto refrescante, aunque podría haber parecido más innovador en el momento de su anuncio en 2020. La historia, impregnada de elementos de cuentos de hadas, gira en torno a una lucha centenaria que involucra a valientes soldados, un reino asediado y un dragón malévolo, todo ello en un mundo donde las decisiones a menudo conducen a consecuencias imprevistas, los flashbacks enriquecen la narrativa y los diálogos pueden parecer algo toscos. A pesar de estas elecciones narrativas, la película se beneficia de secuencias de acción atractivas y la convincente actuación de Brown.
En este cuento de hadas reinterpretado, la trama se centra en Elodie, interpretada por Brown, la decidida hija del Señor Bayford, interpretado por Ray Winstone. Elodie se nos presenta como una líder con un fuerte sentido del deber y compasión, dispuesta a realizar labores físicas para apoyar a su pueblo que enfrenta condiciones desesperadas. Su arco narrativo desafía las expectativas tradicionales cuando rechaza una oferta de una figura siniestra que propone escapar a un reino más rico, enfatizando sus valores y la importancia de enfrentar los desafíos de manera directa. La historia avanza a medida que el viaje de Elodie la lleva al lujoso reino de Aurea, lleno de intriga y oro pero ensombrecido por tradiciones ominosas. Su matrimonio con el Príncipe Henry la conduce a una ceremonia peligrosa y, finalmente, a un enfrentamiento con un dragón, entrelazando temas de valentía, auto descubrimiento y la lucha contra tradiciones imponentes.
El guion de Dan Mazeau introduce giros y personajes que enriquecen la narrativa, como el papel de Angela Bassett como una madrastra benevolente y detalles de los intereses de Elodie que agregan profundidad a su personaje. El mensaje subyacente celebra la idea de que las mujeres son capaces de ser heroínas en sus propias historias, independientemente del entorno o la época. A pesar de algunas inconsistencias narrativas y temáticas, la dirección de Fresnadillo y la construcción del mundo, junto con sustos estratégicos y una representación matizada del dragón, proporcionan la base para un cuento de fantasía cautivador. Sin embargo, la película deja algunos puntos de la trama y arcos de personajes sin explorar, resultando en una historia que parece que podría haber profundizado más en su propia mitología. A medida que Fresnadillo avanza para adaptar “La espada en la piedra” para Disney+, “Damsel” ofrece lecciones sobre cómo equilibrar la narrativa innovadora con la profundidad y claridad necesarias para realizar completamente su ambiciosa revisión del cuento de hadas.
Trailer oficial – Damsel
Movie information
// Netflix
// Director: Juan Carlos Fresnadillo
// Cast: Millie Bobby Brown, Nick Robinson, Angela Bassett, Robin Wright
SOBRE EL DIRECTOR
Juan Carlos Fresnadillo crece en Santa Cruz de Tenerife aunque en 1985 se traslada a Madrid para comenzar sus estudios de cine y fotografía. Comienza como ayudante de producción de algunos cortometrajes y poco más tarde, en 1987, funda su propia compañía de producción. El 1996 su corto ‘Esposados’ le vale su primera nominación al Oscar en la categoría de Mejor Cortometraje y a partir de entonces la crítica comienza a verle como una joven promesa del cine. En 2001 dirige su primer largometraje ‘Intacto’, por el que se hace con el premio Goya a Mejor Director Novel. De su trayectoria también destacan ’28 semanas después’ (2007), adaptación del clásico de Danny Boyle ’28 días después’, e ‘Intruders’ (2011).
Score
5 [...]
Movie reviews
El astronauta
SINOPSIS
Durante una misión de investigación, un astronauta descubre que su matrimonio está en problemas, Por suerte, cuenta con la ayuda de una misteriosa criatura escondida en su nave.
Movie Short Review
English review
Based on the 2017 novel “Spaceman of Bohemia,” Johan Renck’s film “Spaceman” delivers a unique mix of eccentricity and space odyssey. This Netflix drama, as genuine as it is fantastical, challenges viewers with its depth and creative vision, although it occasionally falls into the trap of taking itself too seriously. The story endeavors to explore deeper, more enriching themes, but at times risks seeming bland. Its plot takes us on a fascinating journey with Adam Sandler portraying astronaut Jakob Procházka, who, during a mission to the edge of the solar system, is met with silence from his pregnant wife, played by Carey Mulligan. This silence forebodes trouble, while mission control withholds devastating news. Jakob’s solitude in space, surrounded by the vast expanse and the hum of his spacecraft, forces him to confront the complexities of his life and relationships.
The plot thickens when Jakob encounters a mysterious, spider-like creature with six eyes, voiced by Paul Dano. This being, whom Jakob names Hanuš, seeks refuge and companionship after fleeing its destroyed home planet. This unlikely duo forms a bond that reflects Jakob’s introspection on human loneliness and guilt. Meanwhile, on Earth, Mulligan’s character, Lenka, prepares for single motherhood, highlighting the film’s exploration of solitude, forgiveness, and the search for meaning across species and space. The interactions between Jakob and Hanuš, filled with therapeutic exchanges and cultural learning, question the possibility of finding connection amidst profound isolation.
“Spaceman” stands out for its artistic direction, compelling performances, and impressive technical achievements. Sandler reveals a new aspect of his acting talent, though his performance occasionally lacks the intensity of previous roles. The film’s ASMR-like dialogue and ambient space sounds create a calming atmosphere that almost induces sleep, balanced by Dano’s captivating portrayal of Hanuš. Max Richter’s soundtrack and the sound design wrap the viewer in a sensory experience that complements the film’s visual and emotional depth. As the story progresses to its climactic act, “Spaceman” achieves a meditative quality that fulfills its philosophical and emotional promise. This film, imbued with a mix of universal themes and specific cultural references, offers a nuanced reflection on human existence, inviting audiences to dive into its artistic vision multiple times to fully appreciate its layers.
Spanish review
Basada en la novela de 2017 “Spaceman of Bohemia”, la película “Spaceman” de Johan Renck ofrece una mezcla única de extravagancia y odisea espacial. Este drama de Netflix, tan sincero como fantástico, desafía a los espectadores con su profundidad y visión creativa, aunque en ocasiones cae en el error de tomarse a sí mismo demasiado en serio. La historia intenta explorar temas más profundos y enriquecedores, pero a veces corre el riesgo de parecer insípida. Su trama nos lleva a un viaje fascinante con Adam Sandler interpretando al astronauta Jakob Procházka, quien, durante una misión en los confines del sistema solar, enfrenta el silencio de su esposa embarazada, interpretada por Carey Mulligan. Este silencio presagia problemas, mientras el control de la misión retiene noticias devastadoras. La soledad de Jakob en el espacio, rodeado de la inmensidad y el zumbido de su nave, lo obliga a enfrentar las complejidades de su vida y relaciones.
La trama se intensifica cuando Jakob encuentra a una misteriosa criatura parecida a una araña con seis ojos, con la voz de Paul Dano. Este ser, al que Jakob llama Hanuš, busca refugio y compañía después de huir de su planeta natal destruido. Esta improbable dupla forma un vínculo que refleja la introspección de Jakob sobre la soledad humana y la culpa. Mientras tanto, en la Tierra, el personaje de Mulligan, Lenka, se prepara para la maternidad en solitario, destacando la exploración de la película sobre la soledad, el perdón y la búsqueda de significado a través de especies y el espacio. Las interacciones entre Jakob y Hanuš, llenas de intercambios terapéuticos y aprendizaje cultural, cuestionan la posibilidad de encontrar conexión en medio de una profunda soledad.
“Spaceman” se distingue por su dirección artística, actuaciones convincentes y logros técnicos impresionantes. Sandler muestra una nueva faceta de su talento actoral, aunque su actuación ocasionalmente carece de la intensidad de roles anteriores. El diálogo estilo ASMR de la película y los sonidos ambientales del espacio crean una atmósfera relajante que casi induce al sueño, equilibrada por la cautivadora interpretación de Dano como Hanuš. La banda sonora de Max Richter y el diseño de sonido envuelven al espectador en una experiencia sensorial que complementa la profundidad visual y emocional de la película. A medida que la historia avanza hacia su acto climático, “Spaceman” alcanza una calidad meditativa que cumple su promesa filosófica y emocional. Esta película, impregnada de una mezcla de temas universales y referencias culturales específicas, ofrece una reflexión matizada sobre la existencia humana, invitando al público a sumergirse varias veces en su visión artística para apreciar completamente sus capas.
El astronauta – Oficial trailer
Movie information
// Netflix
// Director: Johan Renck
// Cast: Adam Sandler, Carey Mulligan, Paul Dano, Kunal Nayyar, Lena Olin, Isabella Rossellini
SOBRE EL DIRECTOR
Johan Renck es un cineasta sueco, nacido el 5 de diciembre de 1966, en Upsala, Suecia. Estudió negocios en la Stockholm School of Economics y mientras estaba en la universidad, salió con la cantante y exmodelo Camilla Henemark de Army of Lovers, quien lo introdujo en el negocio de la música sueca. Fue la mitad del dúo E-Type + Stakka B, pero se volvió solista después de dos sencillos y continuó lanzando música como Stakka Bo. Debido a un presupuesto muy ajustado, acabó dirigiendo el primer vídeo de su proyecto en solitario, y continuó haciendo sus propios vídeos, llegando a dirigir vídeos de otros artistas suecos como Titiyo y The Cardigans, estableciéndose como un talentoso director de videos, trabajando con artistas internacionales como Madonna, All Saints y Robbie Williams, entre otros. Debutó, en largometrajes con Downloading Nancy (2008) que cuenta la trágica historia de la fronteriza Nancy, que escapa de las circunstancias opresivas de su matrimonio sin amor y conoce a otra persona difícil y dolorosa llamada Louis. Ha destacado por dirigir episodios de televisión de series como Bloodline (2015) y Chernobyl (2019), además de la cinta El astronauta (2024)
Score
6 [...]
Movie reviews
Dune 2
SINOPSIS
Sigue el viaje mítico de Paul Atreides mientras se une a Chani y los Fremen en una guerra de venganza contra los conspiradores que destruyeron a su familia. Al enfrentarse a una elección entre el amor de su vida y el destino del universo conocido, Paul se esfuerza por evitar un futuro terrible que solo él puede prever.
Movie Short Review
English review
“Dune: Part Two” picks up exactly where the first film left off, showing the Fremen transporting the body of Jamis following his defeat by Paul Atreides. After the massacre of House Atreides, Paul decides to join the Fremen, much to his mother Jessica’s dismay. The Harkonnens, believing Paul and Jessica have been consumed by the desert, intensify their war against the Fremen, unleashing epic battles. Denis Villeneuve and his team masterfully craft these initial battle scenes, pitting the military might of the Harkonnens against the guerrilla tactics of the Fremen, who surprise their enemies by emerging from the sand. The action is magnificent, with massive ships exploding in the sky, emphasizing the high stakes of the conflict. Amid this chaos, Dave Bautista’s portrayal of Rabban Harkonnen highlights his lack of leadership, while Stellan Skarsgård’s character blends horror and villainy, reminiscent of Nosferatu and Jabba the Hutt.
The film’s narrative focuses on Paul Atreides’ transformation from a reluctant youth into a leader among the Fremen, guided by prophecies declaring him the chosen one. Stilgar, a Fremen leader played by Javier Bardem, recognizes Paul’s significance, drawing him deeper into Fremen society and closer to Chani, a warrior portrayed by Zendaya. As Paul assimilates, taking on the name Muad’Dib and swearing vengeance against the Harkonnens for his father’s death, his journey intertwines with broader themes of destiny and leadership. Elsewhere, Emperor Shaddam IV and his advisers scheme from afar, their machinations setting the stage for further conflict and intertwining with Paul’s quest for vengeance. Irulan, played by Florence Pugh, provides a narrative voice that helps navigate the complex political landscape of Arrakis, highlighting the delicate balance of power, betrayal, and strategy.
Beyond its plot, “Dune: Part Two” stands out for its technical mastery and nuanced performances. Cinematographer Greig Fraser surpasses his previous work with stunning visuals that capture the essence of each culture and the brutal beauty of the desert. Hans Zimmer’s score, unique to each faction, complements the visual storytelling, enhancing the film’s immersive quality. The effects, sound design, and fight choreography set new standards, showcasing the artistry behind blockbuster filmmaking. The cast, led by Timothée Chalamet and Zendaya, delivers performances that deepen the narrative’s emotional impact, with Rebecca Ferguson and Javier Bardem adding layers of complexity to their roles. Austin Butler’s portrayal of Feyd-Rautha stands out, adding a dynamic element of menace. While it has been compared to iconic sequels like “The Empire Strikes Back,” “Dune: Part Two” more closely resembles “The Lord of the Rings: The Two Towers,” expanding the saga’s scope and setting the stage for a grand conclusion.
Spanish review
“Dune: Parte Dos” retoma exactamente donde la primera película terminó, mostrando a los Fremen trasladando el cuerpo de Jamis tras su derrota ante Paul Atreides. Tras la masacre de la Casa Atreides, Paul decide unirse a los Fremen, para consternación de su madre Jessica. Los Harkonnen, creyendo que Paul y Jessica han sido consumidos por el desierto, intensifican su guerra contra los Fremen, desencadenando batallas épicas. Denis Villeneuve y su equipo elaboran magistralmente estas escenas de batalla iniciales, contraponiendo el poder militar de los Harkonnen con las tácticas de guerrilla de los Fremen, quienes sorprenden a sus enemigos emergiendo de la arena. La acción es magnífica, con naves gigantes explotando en el cielo, lo que subraya la alta tensión del conflicto. En medio de este caos, la interpretación de Dave Bautista como Rabban Harkonnen destaca su falta de liderazgo, mientras que el personaje de Stellan Skarsgård fusiona el horror y la villanía, recordando a Nosferatu y Jabba el Hutt.
La narrativa de la película se centra en la transformación de Paul Atreides de un joven reticente a un líder entre los Fremen, guiado por profecías que lo señalan como el elegido. Stilgar, un líder Fremen interpretado por Javier Bardem, reconoce la importancia de Paul, llevándolo más adentro de la sociedad Fremen y acercándolo a Chani, una guerrera interpretada por Zendaya. A medida que Paul se integra, adoptando el nombre de Muad’Dib y jurando venganza contra los Harkonnen por la muerte de su padre, su viaje se entrelaza con temas más amplios de destino y liderazgo. En otro lugar, el Emperador Shaddam IV y sus asesores traman a distancia, sus maquinaciones preparan el escenario para más conflictos, entrelazándose con la búsqueda de venganza de Paul. Irulan, interpretada por Florence Pugh, ofrece una voz narrativa que ayuda a navegar el complejo panorama político de Arrakis, destacando el delicado equilibrio de poder, traición y estrategia.
Más allá de su trama, “Dune: Parte Dos” destaca por su maestría técnica y actuaciones matizadas. El cinematógrafo Greig Fraser supera su trabajo anterior con visuales impresionantes que capturan la esencia de cada cultura y la belleza brutal del desierto. La banda sonora de Hans Zimmer, distintiva para cada facción, complementa la narrativa visual, mejorando la calidad inmersiva de la película. Los efectos, el diseño de sonido y la coreografía de lucha establecen nuevos estándares, mostrando el arte detrás de la realización de películas de gran presupuesto. El elenco, liderado por Timothée Chalamet y Zendaya, ofrece actuaciones que profundizan el impacto emocional de la narrativa, con Rebecca Ferguson y Javier Bardem añadiendo capas de complejidad a sus roles. La interpretación de Austin Butler como Feyd-Rautha sobresale, añadiendo un elemento dinámico de amenaza. Aunque se ha comparado con secuelas icónicas como “El Imperio Contraataca”, “Dune: Parte Dos” se asemeja más a “El Señor de los Anillos: Las Dos Torres”, ampliando el alcance de la saga y preparando el escenario para una conclusión grandiosa.
Dune 2 – Oficial Trailer
Movie information
// Legendary Pictures, Warner Bros., Villeneuve Films.
// Director: Denis Villeneuve
// Cast: Timothée Chalamet, Zendaya, Rebecca Ferguson, Austin Butler, Javier Bardem
SOBRE EL DIRECTOR
Denis Villeneuve es un reconocido director y guionista canadiense, nacido el 3 de octubre de 1967, en Quebec, Canadá. Hijo de Nicole Demers y Jean Villeneuve, estudió cine en la Universidad de Quebec, Montreal, para luego trabajar en Radio-Canadá y realizar varios cortometrajes premiados. Fue escritor, productor y realizador del programa de televisión La course destination monde, donde aprendería varias técnicas prácticas que establecería en su narrativa. Durante gran parte de la década de los años 90 continuó su trabajo en la televisión canadiense, cambiando de estación, hasta que finalmente decide producir su primer largometraje Un 32 août sur terre (1998), que sería aclamada luego de su presentación en el Festival de Cannes. Poco tiempo después, Villeneuve mostraría su segundo trabajo, Maelström (2000), presente en la mayoría de los festivales alrededor del mundo. Aunque conocido y respetado en ambientes festivaleros, no sería hasta su tercer trabajo que el director sería reconocido como una de las voces más importantes del cine actual: Polytechnique (2009), cinta inspirada en la masacre que ocurrió en 1989 en la Escuela Politécnica de Montreal, la cual fue ganadora como la mejor película canadiense en el Festival de Toronto y fue una de las cintas más vistas en Canadá. Lograría aún más renombre con Incendies(2010), cinta que fue nominada al premio de la Academia en la categoría de Mejor película extranjera. Su siguiente cinta representa su entrada al cine norteamericano: Prisioneros(2013), que contaba con las actuaciones de Hugh Jackman y Jake Gyllenhaal. A esta siguieron cintas como Enemy (2013), Sicario: Tierra de nadie (2015) y finalmente llegaría una de sus cintas más emblemáticas La llegada (2016), aclamada película de ciencia ficción que sería nominada a varios premios Oscar, incluyendo mejor película y mejor director. Gracias a La llegada, Villeneuve se posicionó como el mejor candidato para dirigir la secuela de Blade Runner, Blade Runner 2049 (2017), la cual dirigió increíblemente bien de acuerdo al público y la crítica especializada. Ahora se encuentra preparando una nueva versión de Dune(2019), otra película de culto de la ciencia ficción que, en su momento, fue dirigida por David Lynch.
Score
9 [...]
Movie reviews
El clan del hierro
SINOPSIS
Basada en la vida de los inseparables hermanos Von Erich, que hicieron historia en el competitivo mundo de la lucha libre profesional a principios de la década de los 80. A través de la tragedia y el triunfo, bajo la sombra de su dominante padre y entrenador, los hermanos buscan la inmortalidad en el escenario más importante del deporte.
Movie Short Review
English review
“The Iron Claw,” directed and written by Sean Durkin, transforms the vibrant essence of a Texas summer into a moving reinterpretation of the Von Erich family saga, likened to a “King Lear” tragedy set within the world of wrestling. This epic narrative, inspired by real events so sorrowful that Durkin felt the need to tone down their reality to make them more believable on screen, inversely applies the wrestling ethos of feigning authenticity. The film carefully balances the magnitude of loss to maintain the audience’s belief in its truthfulness, focusing on the enduring love that remains after the tragedy. While some wrestling fans might view this adaptation as a form of historical omission, Durkin’s approach seems fitting for a sport where the line between reality and fiction is constantly blurred. The story, which reduces the number of brothers from six to four to simplify the narrative, portrays a family dominated by a patriarch’s obsession with victory, unable to see the personal battles he had set up for them to lose.
The narrative’s strength lies in its depiction of the Von Erich curse, passed from Fritz to his sons as a grim legacy, making even this softened version of their story resonate with the intensity of a championship wrestling match. The film, dubbed by some as “The Virgin Suicides” for boys or “Louisa May Alcott’s ‘Little He-Men,'” may stir controversy over its portrayal of the Von Erichs, especially Chris. Regardless of its reception, “The Iron Claw” stands out as a captivating drama about familial bonds, personal tragedy, and the relentless pursuit of a misunderstood legacy. The Von Erich brothers, depicted with depth and complexity, navigate their father’s demanding expectations, each seeking approval and identity in the shadow of a wrestling dynasty marked by tragedy and the insatiable need to win at all costs.
Durkin’s film is as much a study of masculinity and grief as it is a wrestling movie, with performances that lend credibility and emotional weight to its narrative. The story explores the consequences of Fritz’s inability to confront his pain and the impact of his denial on his family, particularly on his sons, who strive to live up to an impossible ideal. “The Iron Claw” emerges as a testament to the resilience of the human spirit, challenging traditional notions of strength and vulnerability. Through its exploration of the Von Erich family’s legacy, the film invites viewers to reflect on the cost of unattainable dreams and the value of recognizing and expressing one’s emotions, proving to be a profoundly emotional work that transcends the confines of its wrestling backdrop to deliver a universal message of hope and healing.
Spanish review
“The Iron Claw,” dirigida y escrita por Sean Durkin, convierte la esencia vibrante de un verano texano en una conmovedora reinterpretación de la saga de la familia Von Erich, comparada con una tragedia al estilo de “King Lear” ambientada en el mundo de la lucha libre. Esta narrativa épica, inspirada en hechos reales tan dolorosos que Durkin sintió la necesidad de suavizar su realidad para hacerla más creíble en pantalla, aplica de manera inversa el ethos de la lucha libre de fingir autenticidad. La película equilibra cuidadosamente la magnitud de la pérdida para mantener la creencia del público en su veracidad, centrándose en el amor perdurable que permanece tras la tragedia. Aunque algunos aficionados a la lucha libre podrían ver esta adaptación como una omisión histórica, el enfoque de Durkin parece adecuado para un deporte donde el límite entre realidad y ficción se desdibuja constantemente. La historia, que reduce el número de hermanos de seis a cuatro para simplificar la narrativa, presenta a una familia dominada por la obsesión de un patriarca por la victoria, incapaz de ver las batallas personales que les había preparado para perder.
La fortaleza de la narrativa radica en su descripción de la maldición de los Von Erich, transmitida de Fritz a sus hijos como un legado sombrío, haciendo que incluso esta versión atenuada de su historia resuene con la intensidad de un combate por el campeonato de lucha libre. La película, apodada por algunos como “Las vírgenes suicidas” para chicos o “Los pequeños hombres fuertes de Louisa May Alcott”, puede generar controversia por su representación de los Von Erich, especialmente de Chris. Sin embargo, independientemente de su recepción, “The Iron Claw” se destaca como un drama cautivador sobre los lazos familiares, la tragedia personal y la incesante búsqueda de un legado malinterpretado. Los hermanos Von Erich, retratados con profundidad y complejidad, navegan por las exigentes expectativas de su padre, cada uno buscando aprobación e identidad a la sombra de una dinastía de lucha libre marcada por la tragedia y la necesidad insaciable de ganar a toda costa.
La película de Durkin es tanto un estudio sobre la masculinidad y el duelo como una película de lucha libre, con actuaciones que otorgan credibilidad y peso emocional a su narrativa. La historia explora las consecuencias de la incapacidad de Fritz para enfrentar su dolor y el impacto de su negación en su familia, especialmente en sus hijos, quienes luchan por vivir según un ideal imposible. “The Iron Claw” emerge como un testimonio de la resiliencia del espíritu humano, desafiando las nociones tradicionales de fuerza y vulnerabilidad. A través de su exploración del legado de la familia Von Erich, la película invita a los espectadores a reflexionar sobre el costo de los sueños inalcanzables y el valor de reconocer y expresar las emociones, demostrando ser una obra profundamente emotiva que trasciende los límites de su trasfondo de lucha libre para entregar un mensaje universal de esperanza y sanación.
El clan del hierro – Trailer oficial
Movie information
// A24
// Director: Sean Durkin
// Cast: Holt McCallany, Maura Tierney, Grady Wilson, Valentine Newcomer, Zac Efron, Harris Dickinson
Score
8 [...]
Movie reviews
Secretos de un escándalo
SINOPSIS
Veinte años después de que el mediático romance entre Gracie Atherton-Yu (Julianne Moore) y su joven marido Joe escandalizara al país, con sus hijos a punto de graduarse en el instituto, se va a rodar una película sobre su historia. La actriz Elizabeth Berry (Natalie Portman) pasará un tiempo con la familia para intentar entender mejor a Gracie, a la que va a interpretar en la película, provocando que la dinámica familiar se deshaga bajo la presión de la mirada exterior.
Movie Short Review
English review
In Todd Haynes’ “May December,” Natalie Portman delivers a multifaceted performance as Elizabeth Berry, an actress portraying Gracie Atherton-Yoo, a character played by Julianne Moore who is enshrouded in a scandalous past. This psychodrama, filled with shifting identities and performative complexities, unfolds like a Russian doll, revealing its layers through clever and playful storytelling. The plot centers on Gracie’s controversial affair in the ’90s with a then 13-year-old, leading to her arrest and a life forever changed by public scrutiny and legal consequences. Years later, as Portman’s character immerses herself in Gracie’s world to prepare for a film role, the line between actress and subject blurs, setting the stage for a story of deep introspection and unexpected connections.
As Elizabeth Berry delves into Gracie’s life for her upcoming role in an indie film, the dynamics between her and Moore’s character evolve from tentative beginnings to a complex intertwining of lives. Their relationship, sparked by an unconventional first meeting involving an unpleasant package, grows as Elizabeth integrates into the family’s routine, seeking to understand Gracie beyond the scandal. This exploration of identity and transformation draws parallels to iconic films like Hitchcock’s thrillers and Bergman’s “Persona,” using a mix of suspenseful music and visual cues to blur the boundaries between the two women. The film’s direction and cinematography ingeniously play with these themes, suggesting a merging of selves that challenges the audience’s perception.
Haynes, along with writer Samy Burch, navigates the murky waters of identity dissolution, nodding to cinematic giants like “Citizen Kane” and “Sunset Boulevard,” while also resonating with the thematic essence of “Kate Plays Christine,” a film about an actress losing her sense of reality as she attempts to transform into Christine Chubbuck, a real-life news anchor who committed suicide on TV in the 1970s. Portman’s portrayal of Elizabeth, who becomes increasingly absorbed in Gracie’s persona to the point of adopting her mannerisms and even her past, showcases an impressive range that speaks to the core of what it means to act. Meanwhile, Moore’s portrayal of a woman caught between delusion and innocence, and Charles Melton’s performance as a man living in the shadow of his past, enrich the film’s exploration of truth, performance, and the often indistinguishable line between them. “May December” emerges as a richly layered narrative, inviting viewers to ponder the complexities of identity, memory, and the art of storytelling in cinema.
Spanish review
En “May December” de Todd Haynes, Natalie Portman brinda una actuación polifacética interpretando a Elizabeth Berry, una actriz que asume el papel de Gracie Atherton-Yoo, personaje interpretado por Julianne Moore y envuelto en un pasado escandaloso. Este psicodrama, repleto de identidades cambiantes y complejidades performáticas, se despliega como una muñeca rusa, revelando sus capas a través de una narrativa astuta y juguetona. La trama gira en torno al polémico affaire de Gracie en los 90 con un menor de entonces 13 años, lo que condujo a su arresto y a una vida permanentemente alterada por el escrutinio público y las consecuencias legales. Años después, a medida que el personaje de Portman se sumerge en el mundo de Gracie para prepararse para un rol cinematográfico, la línea entre la actriz y su sujeto se difumina, preparando el escenario para una historia de profunda introspección y conexiones inesperadas.
A medida que Elizabeth Berry se inmiscuye en la vida de Gracie para su próximo papel en una película independiente, la dinámica entre ella y el personaje de Moore evoluciona desde comienzos tentativos hasta un entrelazado complejo de vidas. Su relación, iniciada por un primer encuentro poco convencional que involucra un paquete desagradable, crece a medida que Elizabeth se integra en la rutina familiar, buscando comprender a Gracie más allá del escándalo. Esta exploración de la identidad y la transformación traza paralelos con películas icónicas como los thrillers de Hitchcock y “Persona” de Bergman, utilizando una combinación de música suspensiva y señales visuales para difuminar los límites entre las dos mujeres. La dirección y cinematografía de la película juegan ingeniosamente con estos temas, sugiriendo una fusión de identidades que desafía la percepción del espectador.
Haynes, junto al guionista Samy Burch, navega por las aguas turbias de la disolución de la identidad, haciendo guiños a gigantes cinematográficos como “Citizen Kane” y “Sunset Boulevard”, y al mismo tiempo resonando con la esencia temática de “Kate Plays Christine”, una película sobre una actriz que pierde su sentido de la realidad al intentar transformarse en Christine Chubbuck, una presentadora de noticias real que se suicidó en televisión en los años 70. La interpretación de Portman, quien se sumerge cada vez más en la persona de Gracie hasta adoptar sus modismos e incluso su pasado, demuestra un rango impresionante que habla del núcleo de lo que significa actuar. Mientras tanto, la interpretación de Moore como una mujer atrapada entre la ilusión y la inocencia, y la actuación de Charles Melton como un hombre viviendo a la sombra de su pasado, enriquecen la exploración de la película sobre la verdad, la actuación y la línea a menudo indistinguible entre ellas. “May December” emerge como una narrativa rica en capas, invitando a los espectadores a reflexionar sobre las complejidades de la identidad, la memoria y el arte de contar historias en el cine.
Secretos de un escándalo – Trailer oficial
Movie information
// Netflix
// Director: Todd Haynes
// Cast: Natalie Portman, Julianne Moore
Score
8.5 [...]
Movie reviews
Dream Scenario
SINOPSIS
Paul Matthews, un desventurado padre de familia, ve cómo su vida da un vuelco cuando millones de extraños empiezan a verle en sueños. Pero cuando sus apariciones nocturnas toman un giro de pesadilla, Paul se ve obligado a navegar por su nuevo estrellato.
Movie Short Review
English review
Throughout his extensive career spanning over 120 films, Nicolas Cage has portrayed a wide array of characters, but his performance in “Dream Scenario” might be considered his funniest role to date. As Paul Matthews, a disheveled college professor with emerging baldness, a gray beard, and a penchant for dad sweaters, Cage finds himself inexplicably appearing in strangers’ nightmares, only able to observe. This unique premise forms the foundation for a sharp social satire directed by Norwegian filmmaker Kristoffer Borgli, marking his debut in English. “Dream Scenario” critiques the contemporary culture obsessed with instant fame and the hasty judgments of cancel culture, offering Cage a new type of role as a whimpering victim. This scenario allows Cage to showcase his comedic talents in a role as unexpected as it is delightful, under the co-production of Ari Aster, a filmmaker known for his handling of surreal angst.
The film introduces us to Paul as a simple family man and an evolutionary biology professor who dreams of writing a revolutionary science book. Despite his mundane existence, Paul unwittingly becomes the star of a viral dream epidemic, attracting the attention of social media marketers eager to exploit his unique situation. The story intensifies as Paul’s passive dream presence becomes a subject of fascination and ridicule, leading to absurd situations including an uncomfortably funny encounter prompted by marketing assistant Molly, played by Dylan Gelula. As Paul’s dream appearances begin to take on a more sinister tone, the narrative delves into darker territory, reminiscent of Cage’s work in “Mandy” and showcasing the actor’s versatility in transitioning from comedic to menacing with ease.
“Dream Scenario” not only offers a biting critique of modern societal obsessions but also celebrates the dynamic collaboration between Cage and Borgli, who push the boundaries of comedy while maintaining a focus on the film’s satirical core. Borgli’s editing keeps the pace lively with creative cuts and flashbacks, capturing the whimsical yet poignant essence of the film. Cage, fully committed to the role of Paul, delivers a performance that is both hilarious and endearing, complemented by a carefully selected wardrobe that adds a timeless charm to the character. Through its clever narrative and standout performances, “Dream Scenario” invites audiences to enjoy its humor and social commentary, solidifying Cage’s status as a versatile actor capable of turning even the most eccentric roles into comedic gold.
Spanish review
A lo largo de su extensa carrera, con más de 120 películas, Nicolas Cage ha encarnado una amplia variedad de personajes, pero su actuación en “Dream Scenario” podría considerarse como su interpretación más divertida hasta la fecha. En el papel de Paul Matthews, un desaliñado profesor universitario con una incipiente calvicie, barba gris y una afición por los suéteres de padre, Cage se encuentra inexplicablemente apareciendo en las pesadillas de desconocidos, sin poder hacer otra cosa más que observar. Esta premisa tan peculiar es la base para una aguda sátira social dirigida por el cineasta noruego Kristoffer Borgli, en lo que representa su debut en inglés. “Dream Scenario” critica la cultura contemporánea obsesionada con la fama instantánea y los juicios apresurados de la cultura de cancelación, ofreciendo un nuevo tipo de papel para Cage como una víctima lloriqueante. Este escenario permite a Cage desplegar sus talentos cómicos en un rol tan inesperado como encantador, bajo la coproducción de Ari Aster, un cineasta conocido por su manejo de la angustia surrealista.
La película nos presenta a Paul como un hombre de familia sencillo y profesor de biología evolutiva, que sueña con escribir un libro de ciencia revolucionario. A pesar de su existencia rutinaria, Paul se convierte sin quererlo en la estrella de una epidemia de sueños virales, atrayendo la atención de mercadólogos de redes sociales ansiosos por explotar su peculiar situación. La historia se intensifica a medida que la pasiva presencia onírica de Paul se convierte en objeto de fascinación y burla, llevando a situaciones absurdas incluyendo un encuentro incómodamente divertido provocado por la asistente de marketing Molly, interpretada por Dylan Gelula. A medida que las apariciones de Paul en sueños comienzan a tomar un tono más siniestro, la narrativa se adentra en territorio más oscuro, recordando el trabajo de Cage en “Mandy” y mostrando la versatilidad del actor para pasar de lo cómico a lo amenazante con facilidad.
“Dream Scenario” no solo ofrece una crítica mordaz a las obsesiones de la sociedad moderna, sino que también celebra la colaboración dinámica entre Cage y Borgli, quienes exploran los límites de la comedia manteniendo el enfoque en el núcleo satírico de la película. La edición de Borgli mantiene el ritmo vivo con cortes creativos y flashbacks, capturando la esencia caprichosa pero conmovedora del filme. Cage, completamente entregado al papel de Paul, ofrece una actuación hilarante y entrañable, complementada por un vestuario cuidadosamente seleccionado que añade un encanto atemporal al personaje. A través de su narrativa ingeniosa y actuaciones destacadas, “Dream Scenario” invita al público a disfrutar de su humor y comentario social, consolidando el estatus de Cage como un actor versátil capaz de convertir incluso los roles más excéntricos en oro cómico.
Dream Scenario – Trailer oficial
Movie information
// A24, Square Peg, Wildling Pictures.
// Director: Kristoffer Borgli
// Cast: Nicolas Cage, Julianne Nicholson, Michael Cera, Tim Meadows, Dylan Gelula y Dylan Baker
Score
9 [...]
Movie reviews
Argylle
SINOPSIS
Cuando las tramas de sus libros empiezan a parecerse demasiado a las actividades de un siniestro sindicato clandestino, la introvertida autora de novelas de espías Elly Conway y su gato se ven inmersos en el verdadero mundo del espionaje… donde nada, ni nadie, es lo que parece.
Movie Short Review
English review
Matthew Vaughn stands out in the film world for his unique approach and preference for exploring less traveled paths, distancing himself from the traditional studio system and revolutionizing cinematic genres. Through movies like “Kick-Ass,” “Stardust,” and “Kingsman,” he has navigated superhero tales, fantasy adventures, and spy films, respectively, always imprinting his distinctive touch. His most recent project, “Argylle,” represents a novelty in his usual repertoire. This time, Vaughn returns to the espionage genre but opts for a less violent and more charmingly twisted narrative, delivering a story that surprises with its warmth and absence of the typical content that might unsettle the audience.
“Argylle” stands out not only for its moderated violence but also for its intricate plot and homage to the whimsical elegance and style of 1960s spy movies. Based on a supposedly real novel by the fictional author ‘Elly Conway,’ played by Bryce Dallas Howard, the film delves into a narrative full of twists and turns. With Henry Cavill as the suave Agent Argylle, the film immerses itself in a world of espionage filled with classic elements like stylish cocktails, dangerous femme fatales, and high-speed car chases. Despite dialing back his characteristic excesses, Vaughn’s playful spirit shines, offering a fresh perspective on the spy genre that captivates with its complexity and tribute to a bygone era of cinematic espionage.
The heart of “Argylle” lies in the dynamic between Bryce Dallas Howard’s Elly Conway and Sam Rockwell’s Aidan, an agent who sharply contrasts with the polished spies of Conway’s novels. As their paths cross and their relationship evolves amid a flurry of real-world spy drama, their chemistry and comedic timing elevate the film beyond its potential narrative pitfalls. Although the film races through its plot twists, leaving little room for the story to breathe, the action sequences and performances, especially the interaction between Howard and Rockwell, anchor the film. “Argylle” manages to balance its fast-paced plot and a crowded cast with moments of genuine emotion and humor, promising enough intrigue and entertainment to leave the audience looking forward to more adventures in Conway’s captivating world.
Spanish review
Matthew Vaughn se distingue en el mundo del cine por su enfoque único y su preferencia por explorar caminos menos transitados, alejándose del sistema tradicional de estudios y revolucionando los géneros cinematográficos. A través de películas como “Kick-Ass”, “Stardust” y “Kingsman”, ha navegado por cuentos de superhéroes, aventuras fantásticas y películas de espías, respectivamente, imprimiendo siempre su toque distintivo. Su proyecto más reciente, “Argylle”, representa una novedad en su repertorio habitual. En esta ocasión, Vaughn vuelve al género de espionaje pero opta por una narrativa menos violenta y más encantadoramente retorcida, entregando una historia que sorprende por su calidez y la ausencia del contenido típico que podría incomodar al público.
“Argylle” no solo se distingue por su violencia moderada, sino también por su trama intrincada y su homenaje a la caprichosa elegancia y estilo de las películas de espías de los años 60. Basada en una novela supuestamente real de la autora ficticia ‘Elly Conway’, interpretada por Bryce Dallas Howard, la película se adentra en una narrativa llena de giros y vueltas. Con Henry Cavill en el papel del elegante Agente Argylle, el film se sumerge en un mundo de espionaje repleto de elementos clásicos como cócteles con estilo, peligrosas femmes fatales y persecuciones de coches a alta velocidad. A pesar de reducir sus excesos característicos, el espíritu lúdico de Vaughn brilla, ofreciendo una nueva perspectiva del género de espías que cautiva con su complejidad y homenaje a una era pasada del espionaje cinematográfico.
El corazón de “Argylle” reside en la dinámica entre Elly Conway de Bryce Dallas Howard y Aidan de Sam Rockwell, un agente que contrasta marcadamente con los espías pulidos de las novelas de Conway. A medida que sus caminos se cruzan y su relación evoluciona en medio de un drama de espías del mundo real, su química y sincronización cómica elevan la película más allá de sus posibles fallos narrativos. Aunque la película avanza rápidamente a través de sus giros argumentales, dejando poco espacio para respirar, las secuencias de acción y las actuaciones, especialmente la interacción entre Howard y Rockwell, son el ancla de la película. “Argylle” logra equilibrar su trama acelerada y un elenco abarrotado con momentos de emoción genuina y humor, prometiendo suficiente intriga y entretenimiento como para dejar al público esperando más aventuras en el cautivador mundo de Conway.
Argylle – Oficial Trailer
Movie information
// Universal Pictures, Apple TV+
// Director: Matthew Vaughn
// Cast: Bryce Dallas Howard, Sam Rockwell, Henry Cavill, Bryan Cranston, Catherine O'Hara
SOBRE EL DIRECTOR
Matthew comezó su carrera como productor en 1996 con El sueño inocente, un thriller protagonizado por Michael Gambon y Rupert Graves. Creó Ska Films con el director Guy Ritchie en 1997 y al año siguiente realizó Lock and Stock, que obtuvo un excedente de 11 millones de libras sólo en el Reino Unido. Layer Cake. Crimen organizado supuso su debut como director.
Score
7 [...]
Movie reviews
Madame Web
SINOPSIS
Una historia de origen de la clarividente conocida como Madame Web, cuyas habilidades psíquicas le permiten ver dentro del mundo de las arañas.
Movie Short Review
English review
As the superhero genre begins to decline, a significant shift is observed, reminiscent of the early 2000s era characterized by its flamboyant and easily recognizable style. This was a period that comic book fans enthusiastically left behind, preferring the polished, expensive, and intricately connected cinematic universe that Marvel initiated in 2008. However, as these cinematic universes gradually lose the audience’s interest, there’s a return to less expensive productions. The industry seems to have exhausted its repertoire of A-list characters, forcing filmmakers to explore lesser-known and almost forgotten characters. This has led to films like S.J. Clarkson’s “Madame Web,” which, despite its peculiarities, offers a unique charm with its sincere and awkward narrative, representing a departure from the traditional superhero movie formula.
“Madame Web” stands out as an unconventional film within the superhero genre, focusing on a relatively obscure character from the Spider-Man universe and highlighting the journey of three Spider-Women before they acquire their powers. Instead of the usual action-packed sequences, the film spends more time exploring the panic and confusion of its main characters as they navigate their circumstances. This approach, along with its emphasis on the dynamics of young women forming bonds of friendship and solidarity, marks a significant contrast to the genre’s standard repertoire. The film’s narrative complexity, characterized by its mix of action, mystery, and moments of genuine connection, presents a fresh perspective in superhero storytelling, prioritizing character development over spectacle.
The portrayal of Cassandra Webb’s story, along with the whimsical kidnapping and bonding experiences of the main characters, underscores a narrative focused on kinship and overcoming adversity. “Madame Web” diverges from conventional superhero tropes, offering a pre-origin story that hints at the future heroic feats of its characters without delving into their power acquisition or battles. This narrative choice, along with its critique of masculinity within the superhero fandom, positions the film as a nuanced, if not entirely conventional, superhero narrative. Despite its potential disappointment to traditional superhero fans, “Madame Web” represents a significant, albeit subtle, evolution within the genre, suggesting a broader acceptance of diverse stories and characters in what could be considered the twilight of the superhero renaissance.
Spanish review
A medida que el género de superhéroes comienza a declinar, se observa un cambio notable que nos recuerda a la era de los primeros años 2000, caracterizada por su estilo extravagante y fácilmente reconocible. Esta fue una época que los aficionados a los cómics dejaron atrás con entusiasmo, prefiriendo el universo cinematográfico pulido, costoso e intrincadamente conectado que Marvel inició en 2008. Sin embargo, a medida que estos universos cinematográficos pierden progresivamente el interés del público, se observa un retorno a producciones menos costosas. La industria parece haber agotado su repertorio de personajes de primera línea, obligando a los cineastas a explorar personajes menos conocidos y casi olvidados. Esto ha dado lugar a películas como “Madame Web” de S.J. Clarkson, que, a pesar de sus peculiaridades, ofrece un encanto único con su narrativa sincera y torpe, representando una desviación de la fórmula tradicional de las películas de superhéroes.
“Madame Web” se destaca como una película poco convencional dentro del género de superhéroes, centrándose en un personaje relativamente oscuro del universo de Spider-Man y resaltando el viaje de tres Spider-Women antes de adquirir sus poderes. En lugar de las secuencias llenas de acción habituales, la película dedica más tiempo a explorar el pánico y la confusión de sus personajes principales mientras navegan por sus circunstancias. Este enfoque, junto con su énfasis en la dinámica de jóvenes mujeres formando lazos de amistad y solidaridad, marca un contraste significativo con el repertorio estándar del género. La complejidad narrativa de la película, caracterizada por su mezcla de acción, misterio y momentos de conexión genuina, presenta una nueva perspectiva en la narrativa de superhéroes, priorizando el desarrollo de los personajes sobre el espectáculo.
La representación de la historia de Cassandra Webb, junto con las experiencias de secuestro caprichoso y vínculo entre los personajes principales, subraya una narrativa centrada en la parentela y la superación de adversidades. “Madame Web” se aparta de los tropos convencionales de superhéroes, ofreciendo una historia de pre-origen que insinúa las futuras hazañas heroicas de sus personajes sin profundizar en la adquisición de sus poderes o batallas. Esta elección narrativa, junto con su crítica a la masculinidad dentro del fandom de superhéroes, posiciona a la película como una narrativa de superhéroes matizada, si no totalmente convencional. A pesar de su posible decepción para los fans tradicionales de superhéroes, “Madame Web” representa una evolución significativa, aunque sutil, dentro del género, sugiriendo una aceptación más amplia de historias y personajes diversos en lo que podría considerarse el crepúsculo del renacimiento de los superhéroes.
Madame Web – Trailer oficial
Movie information
// Sony Pictures
// Director: S.J. Clarkson
// Cast: Dakota Johnson, Sydney Sweeney, Celeste O'Connor, Isabela Merced, Tahar Rahim, Mike Epps, Emma Roberts Adam Scott
SOBRE EL DIRECTOR
S. J. Clarkson es una directora de televisión británica, conocida por dirigir series como Doctors, Casualty, EastEnders, Footballers’ Wives, Life on Mars y Anatomía de un escándalo.
Score
6 [...]
Movie reviews
American Fiction
SINOPSIS
El profesor de inglés y escritor Thelonious ‘Monk’ Ellison escribe una novela satírica bajo seudónimo, con la intención de denunciar la hipocresía de la industria editorial.
Movie Short Review
English review
In 1926, Langston Hughes wrote an essay expressing his disappointment with a young writer who aspired to be a poet, but not a “Negro poet,” using this sentiment to criticize the writer’s desire to conform to white norms. This essay, “The Negro Artist and the Racial Mountain,” highlighted the ongoing struggle of Black artists in America to navigate their identity and creativity in a society rooted in white supremacist ideals. This tension between Black artists, their work, and their audience has persisted, with mainstream Black artists in the U.S. often facing a complex mix of ignorance, projection, guilt, and fluctuating perceptions of their value. James Baldwin, in 1955, critiqued the genre of American protest fiction for its excessive sentimentality and stereotyping of Black lives, citing Richard Wright’s “Native Son” as an example of these pitfalls. Despite these criticisms, protest novels like Wright’s became commercial successes, indicating a market appetite for such narratives.
In the late ’90s and early 2000s, these tensions resurfaced, with the literary market pigeonholing Black writers into certain roles and celebrating works considered “authentic” by white editors and readers, often those that portrayed a narrow and harsh view of Black life. Percival Everett’s 2001 novel “Erasure,” a satire on the publishing industry’s treatment of Black authors, vividly captures this debate. Fast forward two decades, and Cord Jefferson’s adaptation of Everett’s novel into the film “American Fiction” offers a fresh and captivating perspective for a new generation facing similar existential dilemmas. The film follows Thelonious “Monk” Ellison (played by Jeffrey Wright), a middle-aged Black man and university professor struggling with a creative and personal crisis, as he navigates familial responsibilities, professional stagnation, and the narrow confines of the literary world.
“American Fiction” delves into the satire of the cultural market and the family drama inherent in Monk’s life, skillfully balancing these elements with humor. The film’s exploration of the pressures and expectations faced by Black artists resonates with audiences, sparking laughter and reflection at its premiere in Toronto. Through Monk’s journey, including his decision to publish a novel under a pseudonym that panders to market stereotypes and his subsequent struggle with the moral implications of his success, the film addresses the broader challenges of identity, creativity, and commercial success. With a stellar cast delivering nuanced performances, “American Fiction” critiques the commodification of identity in Hollywood and the broader existential crisis faced by Black artists, presenting a story that is both insightful and moving, inviting viewers to ponder the complexities of artistic integrity and racial identity.
Spanish review
En 1926, Langston Hughes escribió un ensayo expresando su decepción hacia un joven escritor que aspiraba a ser poeta, pero no un “poeta Negro”, utilizando este sentimiento para criticar el deseo del escritor de conformarse con las normas blancas. Este ensayo, “El artista Negro y la montaña racial”, resaltó la lucha continua de los artistas negros en América para navegar su identidad y creatividad en una sociedad arraigada en ideales supremacistas blancos. Esta tensión entre los artistas negros, su obra y su audiencia ha persistido, con artistas negros mainstream en EE. UU. a menudo enfrentándose a una mezcla compleja de ignorancia, proyección, culpa y percepciones fluctuantes de su valor. James Baldwin, en 1955, criticó el género de la ficción protesta americana por su sentimentalismo excesivo y estereotipación de las vidas negras, señalando a “Hijo nativo” de Richard Wright como un ejemplo de estas trampas. A pesar de estas críticas, novelas de protesta como la de Wright se convirtieron en éxitos comerciales, indicando un apetito de mercado por tales narrativas.
A finales de los 90 y principios de los 2000, estas tensiones resurgieron, con el mercado literario encasillando a los escritores negros en ciertos roles y celebrando obras consideradas “auténticas” por editores y lectores blancos, a menudo aquellas que mostraban una visión estrecha y dura de la vida negra. La novela “Erasure” de Percival Everett en 2001, una sátira sobre el tratamiento de los autores negros por parte de la industria editorial, captura vívidamente este debate. Avanzando dos décadas, la adaptación de esta novela por Cord Jefferson en la película “American Fiction” ofrece una perspectiva fresca y cautivadora para una nueva generación enfrentando dilemas existenciales similares. La película sigue a Thelonious “Monk” Ellison (interpretado por Jeffrey Wright), un hombre negro de mediana edad y profesor universitario luchando con una crisis creativa y personal, mientras navega responsabilidades familiares, estancamiento profesional y las estrechas limitaciones del mundo literario.
“American Fiction” se sumerge en la sátira del mercado cultural y el drama familiar inherente a la vida de Monk, equilibrando estos elementos con habilidad y humor. La exploración de la película sobre las presiones y expectativas enfrentadas por los artistas negros resuena con el público, provocando risas y reflexión en su estreno en Toronto. A través del viaje de Monk, incluyendo su decisión de publicar una novela bajo un seudónimo que se amolda a los estereotipos del mercado y su subsiguiente lucha con las implicaciones morales de su éxito, la película aborda los desafíos más amplios de identidad, creatividad y éxito comercial. Con un elenco estelar que ofrece actuaciones matizadas, “American Fiction” critica la mercantilización de la identidad en Hollywood y la crisis existencial más amplia enfrentada por los artistas negros, presentando una historia que es tanto perspicaz como conmovedora, invitando a los espectadores a reflexionar sobre las complejidades de la integridad artística y la identidad racial.
American Fiction – Trailer oficial
Movie information
// Orion Pictures, MRC Film, T-Street, 3 Arts Entertainment, Media Rights Capital (MRC)
// Director: Cord Jefferson
// Cast: Jeffrey Wright, Tracee Ellis Ross, Issa Rae, Sterling K. Brown
Score
8 [...]
Movie reviews
El chico y la garza
SINOPSIS
La película muestra el crecimiento psicológico de un adolescente a través de interacciones con sus amigos y su tío. Está basada en el libro de 1937 del mismo nombre escrito por Genzaburo Yoshino.
Movie Short Review
English review
When Guillermo del Toro emphasized that animation is not just a genre for children but a medium for art in his Oscar and BAFTA acceptance speeches for “Pinocchio,” he might well have been alluding to any film by Hayao Miyazaki, particularly his latest work, “The Boy and the Heron.” This film marks Miyazaki’s return after a decade, following his 2013 film “The Wind Rises,” which was intended to be his farewell to film directing. However, Miyazaki’s relentless creative force led to the creation of “The Boy and the Heron,” a visually striking and provocative film that reflects on life, death, and the cyclical nature of creation. Produced by Studio Ghibli and similar in thematic depth to Guillermo del Toro’s “Pan’s Labyrinth,” this film remains largely unadvertised, adding to its mystique.
“The Boy and the Heron,” a moving and visually impressive animation, tells the story of Mahito, an 11-year-old boy dealing with the complexities of life in World War II-era Japan. After losing his mother in a fire in Tokyo and moving to the countryside with his stern father and his new stepmother (who is also Mahito’s aunt), Mahito’s world is turned upside down. His struggle to adapt to these sudden changes and his feelings towards his new family are skillfully interwoven into the story, highlighting the emotional turmoil and sense of alienation he experiences. This turmoil intensifies when a mysterious gray heron appears, leading Mahito into a fantastical world at the boundaries of life and death, reality and absurdity, where he encounters a variety of enigmatic characters and creatures.
Miyazaki’s film, sometimes challenging in its comprehension, captivates audiences with its intricate narrative and mesmerizing animation, characteristic of Studio Ghibli’s renowned style. The plot, rich with symbolic elements and fantastical creatures, draws parallels to various live-action and science fiction films, blurring the lines between reality and fantasy. Despite its darker themes, reminiscent of Studio Ghibli’s “Grave of the Fireflies,” Miyazaki ensures the film concludes with a message of hope and the perpetual cycle of life. If “The Boy and the Heron” is indeed Miyazaki’s final work, it serves as a profound and timeless testament to his unparalleled artistry and narrative skill.
Spanish review
Cuando Guillermo del Toro destacó que la animación no es solo un género para niños, sino un medio para el arte durante sus discursos de aceptación del Oscar y el BAFTA por “Pinocho”, bien podría estar haciendo alusión a cualquier película de Hayao Miyazaki, en especial a su última obra, “El Niño y la Garza”. Esta película marca el regreso de Miyazaki tras una década, sucediendo a su film de 2013 “El Viento se Levanta”, que pretendía ser su despedida de la dirección cinematográfica. Sin embargo, la incansable fuerza creativa de Miyazaki condujo a la creación de “El Niño y la Garza”, una película visualmente impactante y provocadora que reflexiona sobre la vida, la muerte y la naturaleza cíclica de la creación. Producida por Studio Ghibli y similar en profundidad temática a “El Laberinto del Fauno” de Guillermo del Toro, este filme se mantiene mayormente sin publicidad, lo que aumenta su misticismo.
“El Niño y la Garza”, una animación conmovedora y visualmente impresionante, narra la historia de Mahito, un niño de 11 años que se enfrenta a las complejidades de la vida en el Japón de la época de la Segunda Guerra Mundial. Tras perder a su madre en un incendio en Tokio y mudarse al campo con su severo padre y su nueva madrastra (quien también es tía de Mahito), el mundo de Mahito se pone patas arriba. Su lucha por adaptarse a estos cambios repentinos y sus sentimientos hacia su nueva familia se entrelazan hábilmente en la historia, resaltando el turbulento estado emocional y la sensación de alienación que experimenta. Este tormento se intensifica cuando aparece una misteriosa garza gris, que lleva a Mahito a un mundo fantástico situado en los límites de la vida y la muerte, la realidad y lo absurdo, donde encuentra una variedad de personajes y criaturas enigmáticas.
La película de Miyazaki, a veces desafiante en su comprensión, cautiva al público con su narrativa intrincada y una animación hipnotizante, característica del reconocido estilo de Studio Ghibli. La trama, rica en elementos simbólicos y criaturas fantásticas, traza paralelos con diversas películas de acción real y ciencia ficción, difuminando las líneas entre realidad y fantasía. A pesar de sus temas más oscuros, que recuerdan a “La Tumba de las Luciérnagas” de Studio Ghibli, Miyazaki asegura que la película concluya con un mensaje de esperanza y el ciclo perpetuo de la vida. Si “El Niño y la Garza” es realmente la última obra de Miyazaki, sirve como un testamento profundo y atemporal a su incomparable arte y capacidad narrativa.
El chico y la garza – Trailer oficial
Movie information
// Toho
// Director: Hayao Miyazaki
SOBRE EL DIRECTOR
El cineasta y animador, Hayao Miyazaki, nació el 5 de enero de 1941 en Tokyo, Japón. Desde muy pequeño se interesó en los cómics y en la animación. En 1963 comenzó su carrera como animador en los estudios Toei Douga, ahí participó en muchos de los primeros clásicos de la animación japonesa y conoció a dos importantes figuras del mundo de la animación, Yasuo Otsuka y Isao Takahata, con quienes colaboró en su primer largometraje, La princesa encantada (1968). En los años 70 trabajó para Nippon Animation en donde realizó proyectos como El cuento de Heidi (1974) y Ana de las tejas verdes (1979). En 1979 debutó como director con la serie Conan el niño del futuro (1978) y al año siguiente realiza la cinta El castillo de Cagliostro (1979). En 1985 fundó su propio estudio de animación, Studio Ghibli, que se ha convertido en referencia cultural dentro del séptimo arte. Ahí realizó proyectos como La princesa Mononoke (1997), El viaje de Chihiro (2001), El castillo ambulante (2004) y Ponyo en el acantilado (2008). Entre sus proyectos más recientes se encuentran el cortometraje Boro the Caterpillar (2018) y la cinta Kimitachi wa dô ikiru ka, que actualmente se encuentra en la etapa de preproducción.
Score
8.5 [...]
Movie reviews
La sociedad de la nieve
SINOPSIS
El 13 de octubre de 1972, el vuelo 571 de la Fuerza Aérea Uruguaya, fletado para llevar a un equipo de rugby a Chile, se estrella en un glaciar en el corazón de los Andes
Movie Short Review
English review
Although ‘Society of the Snow’ is not a direct remake of the 1992 movie ‘Alive’, it shares many similarities with it, as both films narrate the same tragic events of 1972 involving the Old Christians rugby team from Stella Maris College. Based on two different books, ‘Alive: The Story of the Andes Survivors’ by Piers Paul Read and ‘La sociedad de la nieve’ by Pablo Vierci, both stories include the same characters and describe their harrowing experience. In both films, survivors participate as advisors, ensuring an authentic representation of the events. ‘Society of the Snow’ stands out by improving some of the less successful aspects of ‘Alive’, offering a more convincing version of this story of courage and survival.
The tragic story begins in October 1972 when the rugby team, along with friends and family, totaling 45 people, board a flight from Uruguay to Chile. The tragedy occurs over the Andes when the plane crashes, immediately claiming 12 lives, with more victims succumbing shortly after. The survivors, facing brutal cold and a scarcity of food, discover that rescue efforts have been suspended. This desperate situation leads them to a controversial decision: to survive, they must resort to cannibalism. ‘Society of the Snow’ focuses on this struggle against nature, showing the 16 survivors who endure 72 days in extreme conditions, facing avalanches and the moral dilemma of cannibalism as a means of survival.
Both ‘Alive’ and ‘Society of the Snow’ address the delicate topic of cannibalism with respect, avoiding sensationalism and focusing on the necessity of the survivors’ decision. Although the story is well-known to many, it maintains suspense and tension, especially in its portrayal of the survivors’ efforts to find help. ‘Society of the Snow’ differs from ‘Alive’ in its use of Spanish-speaking actors, which adds authenticity to the narrative. Directed by J.A. Bayona, known for ‘A Monster Calls’ and ‘Jurassic World: Fallen Kingdom’, the film combines stunning cinematography and a considerable budget to create a visually breathtaking and emotionally impactful experience, similar to Bayona’s earlier work in ‘The Impossible’. This film, with its captivating narrative and impressive production, offers a fascinating story of survival against all odds.
Spanish review
Aunque ‘Society of the Snow’ no es un remake directo de la película de 1992 ‘Alive’, comparte muchas similitudes con ella, ya que ambas películas narran los mismos trágicos eventos de 1972 que involucran al equipo de rugby Old Christians del Colegio Stella Maris. Basadas en dos libros diferentes, ‘Alive: The Story of the Andes Survivors’ de Piers Paul Read y ‘La sociedad de la nieve’ de Pablo Vierci, ambas historias incluyen los mismos personajes y describen su angustiante experiencia. En las dos películas, los supervivientes participan como asesores, garantizando una representación auténtica de los acontecimientos. ‘Society of the Snow’ destaca por mejorar algunos aspectos menos exitosos de ‘Alive’, ofreciendo una versión más convincente de esta historia de coraje y supervivencia.
La trágica historia comienza en octubre de 1972, cuando el equipo de rugby, junto con amigos y familiares, sumando 45 personas, embarcan en un vuelo de Uruguay a Chile. La tragedia ocurre sobre los Andes cuando el avión se estrella, cobrando inmediatamente 12 vidas y más víctimas sucumben poco después. Los supervivientes, enfrentando un frío brutal y escasez de alimentos, descubren que los esfuerzos de rescate han sido suspendidos. Esta situación desesperada los lleva a una decisión controvertida: para sobrevivir, deben recurrir al canibalismo. ‘Society of the Snow’ se centra en esta lucha contra la naturaleza, mostrando a los 16 supervivientes que soportan 72 días en condiciones extremas, enfrentando avalanchas y el dilema moral del canibalismo como medio de supervivencia.
Tanto ‘Alive’ como ‘Society of the Snow’ abordan con respeto el delicado tema del canibalismo, evitando el sensacionalismo y centrándose en la necesidad de la decisión de los supervivientes. Aunque la historia es conocida por muchos, mantiene suspenso y tensión, especialmente en su representación de los esfuerzos de los supervivientes por encontrar ayuda. ‘Society of the Snow’ se diferencia de ‘Alive’ en su uso de actores de habla hispana, lo que añade autenticidad al relato. Dirigida por J.A. Bayona, conocido por ‘A Monster Calls’ y ‘Jurassic World: Fallen Kingdom’, la película combina una cinematografía impresionante y un presupuesto considerable para crear una experiencia visualmente asombrosa y emocionalmente impactante, similar al trabajo anterior de Bayona en ‘The Impossible’. Esta película, con su narrativa cautivadora y producción impresionante, ofrece una fascinante historia de supervivencia contra todo pronóstico.
Movie information
// Netflix
// Director: J. A. Bayona
// Cast: Enzo Vogrincic, Matías Recalt, Agustín Pardella, Felipe, González Otaño, Luciano Chatton, Valentino Alonso, Francisco Romero
SOBRE EL DIRECTOR
Juan Antonio García Bayona nació el 9 de mayo de 1975 en Barcelona, Cataluña, España. Nacido en el seno de una familia con escasos recursos, creció en el barrio barcelonés de la Trinitat Vella. Estudió en la Escola Superior de Cinema i Audiovisuals de Catalunya (ESCAC). A los 19 años conoció a Guillermo del Toro, a quien ve como un mentor, en el Festival de Cine de Sitges.
Tras su graduación en la ESCAC, inició su carrera dirigiendo anuncios y videos musicales. Firmó su primer contrato, a los 20 años, con la banda española OBK y obtuvo el premio Ondas por el vídeo musical de Tú sigue así. Debido a su buen trabajo, su nombre resonó en la industria musical y poco tiempo después se convirtió también en el director de cabecera del grupo Camela. Fue el encargado de ilustrar la pieza Cómo repartimos los amigos, con la que el dúo Ella Baila Sola se despidió de su público. Ha trabajado en muchos videoclips para artistas como Pastora Soler, Enrique Bunbury y Miren Iza, así como con la banda británica, Keane. En 1999 dirigió el corto Mis Vacaciones y en 2002 El Hombre Esponja. En 2007 comenzó a trabajar en su primer largometraje, El Orfanato, en el que contó con la ayuda de Guillermo del Toro como coproductor. Por esta película, presentada en el Festival de Cannes, Bayona fue galardonado con el Goya a Mejor Director Novel en 2008, la cinta estuvo nominada en 14 categorías, de las cuales ganó 7. En agosto de 2010 inició el rodaje de Lo imposible. En marzo de 2012 dirigió el videoclip Disconnected, segundo single del álbum Strangeland, volviendo a trabajar con el cuarteto británico Keane. Fue el encargado de dirigir los dos primeros episodios de la serie Penny Dreadful, creada por John Logan. Entre sus últimos trabajos tenemos la dirección de Un monstruo viene a verme (2016), adaptación de la novela homónima de Patrick Ness y Jurassic World: El reino caído (2018).
Score
9 [...]
Movie reviews
Los que se quedan
SINOPSIS
A nadie le gusta el profesor Paul Hunham (Giamatti), ni a sus alumnos, ni a sus compañeros, ni al director de la escuela secundaria donde trabaja, a todos les resulta exasperante su pomposidad y rigidez. Sin familia y sin ningún lugar a donde ir durante las vacaciones de Navidad de 1970, Paul se queda en la escuela para supervisar a los estudiantes que no han podido viajar a casa. Después de unos días, solo queda allí un estudiante: un problemático chico de 15 años llamado Angus, un buen estudiante cuyo mal comportamiento siempre amenaza con expulsarlo. Junto a Paul y Angus está la cocinera Mary (Randolph), una mujer afroamericana que atiende a hijos privilegiados y cuyo propio hijo perdió la vida recientemente en Vietnam. Estos tres náufragos tan diferentes formarán una improbable familia durante dos semanas muy nevadas en Nueva Inglaterra.
Movie Short Review
English review
The phrase “they don’t make movies like they used to” may come across as a cliché, often uttered with a nostalgic sigh for the past, but it holds true, especially in today’s era where streaming platforms prefer content optimized for mobile devices over films tailored for the big screen. When a film arrives that evokes the craftsmanship of the past, it’s hard not to feel a certain nostalgia. Director and cinema enthusiast Alexander Payne captures this sentiment in “The Holdovers,” a film set in the 70s that seems to have been made in that era, from its quirky vintage opening titles to its overall aesthetic, including camera work, transitions, casting, and even the film stock used. Premiering at the Telluride Film Festival and later presented in Toronto, “The Holdovers” is more than a mere imitation of the past; it’s a finely tuned and sensitive comedy-drama that has a life of its own, reminiscent of character-driven films from that period as well as the independent hits of the 90s and 2000s that won over audiences at Sundance and the Oscars.
Returning to a style reminiscent of his films “Nebraska” and “The Descendants,” Payne leaves behind the complexity of his last project, “Downsizing,” for a simpler narrative that is both welcoming and familiar. This time, working from a script by television writer David Hemingson instead of his own, Payne delivers a story that balances the bittersweet without falling into sentimentality, in a manner that feels true to his style. The story revolves around three characters who unexpectedly find themselves spending Christmas together, creating a rich backdrop that feels like it was lifted from a great American novel, with a world that existed long before the first scene and continues long after the movie ends.
The central characters of the film form an unlikely trio brought together by circumstances. Paul Giamatti stars as Paul, a history teacher with a strict moral compass, who faces the challenge of supervising students during the holidays. He is joined by a rebellious teenager, Angus (played by newcomer Dominic Sessa), and a grieving cafeteria manager and mother, Mary (Da’Vine Joy Randolph). Together, they create an improvised community during what is supposed to be the happiest time of the year. Their individual struggles with loneliness, abandonment, and loss weave a nuanced narrative that avoids the expected tropes of creating a new family, instead presenting a portrait of individuals finding mutual solace amidst a desolate winter landscape. Randolph delivers a particularly moving performance, portraying a mother’s first Christmas without her son, with deeply affecting moments that position her as a strong contender for awards recognition. Alongside Giamatti’s layered portrayal of a misunderstood teacher and Sessa’s impressive debut performance, “The Holdovers” offers restrained emotional depth that makes its eventual reward all the more satisfying. In a sea of forgettable holiday films, “The Holdovers” stands out with its reflective, melancholic charm, potentially becoming a new classic in the holiday film canon.
Spanish review
La frase “ya no se películas hacen como antes” puede sonar a cliché, a menudo pronunciada con un suspiro nostálgico por el pasado, pero esto no le resta verdad, especialmente en la era actual donde las plataformas de streaming prefieren contenido optimizado para dispositivos móviles en lugar de películas diseñadas para la gran pantalla. Cuando llega una película que evoca la artesanía del pasado, es difícil no sentir una cierta nostalgia. El director y entusiasta del cine, Alexander Payne, captura este sentimiento en “The Holdovers”, una película ambientada en los años 70 que parece haber sido hecha en esa época, desde sus peculiares títulos de apertura vintage hasta su estética general, que incluye desde el trabajo de cámara hasta las transiciones, elecciones de casting y hasta el tipo de película utilizado. Estrenada en el festival de cine de Telluride y luego presentada en Toronto, “The Holdovers” es más que una simple imitación del pasado; es un drama cómico afinado y sensible que tiene vida propia, recordando las películas centradas en personajes de esa época, así como los éxitos independientes de los 90 y 2000 que conquistaron al público en Sundance y en los Óscar.
Regresando a un estilo que recuerda a sus películas “Nebraska” y “The Descendants”, Payne deja atrás la complejidad de su último proyecto, “Downsizing”, para adoptar una narrativa más simple que resulta acogedora y familiar. En esta ocasión, trabajando a partir de un guion del escritor de televisión David Hemingson en lugar de uno propio, Payne entrega una historia que equilibra lo agridulce sin caer en la sentimentalidad, de una manera que parece propia de su estilo. La historia gira en torno a tres personajes que, de manera inesperada, se encuentran pasando la Navidad juntos, creando un telón de fondo rico que parece extraído de una gran novela americana, con un mundo que existía mucho antes de la primera escena y que continúa mucho después de que termina la película.
Los personajes centrales de la película forman un trío improbable unido por las circunstancias. Paul Giamatti interpreta a Paul, un profesor de historia con un estricto sentido moral, quien se enfrenta al desafío de supervisar a los estudiantes durante las vacaciones. Se une a él un adolescente rebelde, Angus (interpretado por el debutante Dominic Sessa), y una madre y gerente de la cafetería en duelo, Mary (Da’Vine Joy Randolph). Juntos, crean una comunidad improvisada durante lo que se supone que es la época más feliz del año. Sus luchas individuales con la soledad, el abandono y la pérdida tejen una narrativa matizada que evita los tropos esperados de crear una nueva familia, presentando en su lugar un retrato de individuos que encuentran consuelo mutuo en medio de un paisaje invernal desolador. Randolph ofrece una actuación particularmente conmovedora, interpretando la primera Navidad de una madre sin su hijo, con momentos profundamente emotivos que la posicionan como una fuerte contendiente para reconocimientos en los premios. Junto con la interpretación estratificada de Giamatti de un profesor incomprendido y la impresionante actuación debut de Sessa, “The Holdovers” ofrece una profundidad emocional contenida que hace que su eventual recompensa sea aún más satisfactoria. En un mar de películas navideñas olvidables, “The Holdovers” destaca con su encanto reflexivo y melancólico, con potencial para convertirse en un nuevo clásico en el canon de películas festivas.
Los que se quedan – Trailer oficial
Movie information
// Focus Features
// Director: Alexander Payne
// Cast: Paul Giamatti, Da’Vine Joy Randolph, Carrie Preston, Dominic Sessa
SOBRE EL DIRECTOR
Alexander Payne es un director, productor y guionista norteamericano, nacido el 10 de febrero de 1961, en Omaha, Nebraska. El más joven de tres hijos, de un matrimonio dedicado a la industria del restaurante, Payne empezó a desarrollar su talento e interés por escribir cuando, durante su estancia en la Creighton Prep, tuvo la oportunidad de realizar una columna humorística en el periódico escolar. También mostraba interés en el cine, cuando su padre le regalo una cámara de Super 8MM a los 14 años. Posteriormente, estudió literatura e historia latinoamericana, en la Stanford University. Como parte de sus estudios en español, Alexander pasó una temporada en España, en la Universidad de Salamanca y después vivió una temporada en Medellín, Colombia, donde publicó artículos sobre los cambios sociales sucedidos en la región durante 1900 y 1930. Payne después estudió cine, en la UCLA Film School, donde obtuvo una maestría en Bellas Artes. Su trabajo tesis, el largometraje The Passion of Martin, fue celebrado y atrajo la atención de la industria de cine en Los Ángeles, lo que le conseguió un contrato con Universal Pictures. Payne empezó a darse a conocer, de manera importante, con la cinta La trampa(1999), por la que fue nominado a un premio de la Academia en la categoría de mejor guion adaptado en el 2000. Siguió cosechando éxitos con sus dos siguientes cintas, el drama Las confesiones del Sr. Schmidt (2002) y, especialmente, la comedia dramática Entre copas (2004). Payne es uno de los directores más aclamados del nuevo milenio, cuyas cintas por lo general giran alrededor de personajes de mediana edad quienes se enfrentan a una crisis fundamental en sus vidas para salir de ellas como personas nuevas. Su trayectoria incluye aclamados largometrajes como Los descendientes (2011), Nebraska (2013) y Pequeña gran vida (2017).
Score
8.5 [...]
Movie reviews
Ferrari
SINOPSIS
Verano de 1957. El ex piloto de carreras, Ferrari, está en crisis. La bancarrota acecha a la empresa que él y su esposa, Laura, construyeron de la nada diez años antes. Su tormentoso matrimonio se encuentra en medio de una gran crisis, mientras lidian con la muerte de su hijo. En esta crucial etapa, Ferrari tomará decisiones arriesgadas, apostándolo todo en una única carrera que atraviesa 1.000 millas a lo largo de toda Italia, la Mille Miglia.
Movie Short Review
English review
In “Ferrari,” Michael Mann’s vibrant film, the essence of the famed Italian car manufacturer is embodied in the vivid shade of rosso corsa, or “racing red,” during the financially unstable summer of 1957. This color not only graces the sleek race cars but also symbolizes the combative spirit of its founder, Enzo Ferrari, played with controlled intensity by Adam Driver. Slated for a Christmas release in the U.S., “Ferrari” is as unabashedly masculine and visceral as Mann’s previous works, packed with pulse-racing race scenes that promise an exhilarating cinematic experience. The screenplay by Troy Kennedy Martin, based on Brock Yates’ biography, skillfully balances the thrill of racing with Enzo’s personal crises, including a tense marriage and an affair, all during the critical summer of ’57.
Mann’s film smartly zeroes in on this pivotal period in Ferrari’s history, amplifying the tension on both the racetrack and Enzo’s private life. While the domestic scenes may lack the same adrenaline rush as the racing sequences, they provide insight into the complexity of a man known for his stoicism and sharp wit. Adam Driver adds depth to Enzo, a man defined by his commitment to automotive excellence. The film deftly traces Enzo’s past, revealing the roots of his passion for racing and his evolution from driver to industrial titan. Amid corporate pressures and mourning the loss of a son, Enzo also has to contend with the influence his wife, portrayed by Penélope Cruz, has over the company.
The narrative shifts to explore Enzo’s personal struggles, particularly his complicated relationships with his estranged wife Laura and his mistress Lina Lardi, played by Shailene Woodley. Despite Cruz’s compelling performance, Woodley’s casting seems out of place, and her scenes mark a rare melodramatic detour for Mann. The film navigates familial strife and the high stakes of the iconic Mille Miglia race, showcasing Mann’s distinctive talent as a filmmaker. The vivid racing scenes, captured by cinematographer Erik Messerschmidt, immerse the viewer in the perilous allure of motorsport. Though the movie concludes somewhat abruptly, its key scenes are filled with the excitement and danger that define Mann’s storytelling. While “Ferrari” may not reach the heights of Mann’s most acclaimed works, it remains a testament to his robust and energetic style.
Spanish review
En “Ferrari”, la vibrante película de Michael Mann, el alma de la famosa fabricante italiana de automóviles se plasma en el vibrante rojo corsa, o “rojo de carreras”, durante un verano financieramente precario en 1957. Este color no solo embellece los elegantes coches de carrera, sino que también simboliza el espíritu combativo de su fundador, Enzo Ferrari, interpretado con intensidad controlada por Adam Driver. Programada para su lanzamiento en Navidad en EE. UU., “Ferrari” es tan inequívocamente masculina y visceral como los trabajos anteriores de Mann, repleta de escenas de carreras que aceleran el pulso y prometen una emocionante experiencia cinematográfica. El guion de Troy Kennedy Martin, basado en la biografía de Brock Yates, equilibra hábilmente la emoción de las carreras con las crisis personales de Enzo, incluyendo un matrimonio tenso y un romance, todo durante el crítico verano del ’57.
La película de Mann se centra acertadamente en este período crucial de la historia de Ferrari, intensificando la tensión tanto en la pista como en la vida privada de Enzo. Aunque las escenas domésticas no tienen la misma emoción que las secuencias de carreras, ofrecen una visión de la complejidad de un hombre conocido por su estoicismo y agudo ingenio. Adam Driver aporta profundidad a Enzo, un hombre caracterizado por su compromiso con la perfección automotriz. La película navega hábilmente por el pasado de Enzo, revelando los orígenes de su pasión por las carreras y su transición de conductor a magnate de la industria. Entre las presiones corporativas y el duelo por la pérdida de un hijo, Enzo también debe lidiar con el control que su esposa, interpretada por Penélope Cruz, ejerce sobre la empresa.
La narrativa se desplaza para explorar los conflictos personales de Enzo, especialmente sus complicadas relaciones con su esposa Laura y su amante Lina Lardi, interpretada por Shailene Woodley. A pesar de la convincente actuación de Cruz, la elección de Woodley parece incongruente, y sus escenas representan un giro melodramático poco característico para Mann. La película transita por los conflictos familiares y los altos riesgos de la icónica carrera Mille Miglia, mostrando el talento distintivo de Mann como cineasta. Las escenas de carreras vívidas, capturadas por la cinematografía de Erik Messerschmidt, sumergen al espectador en la peligrosa belleza del automovilismo. Aunque la película concluye de manera algo abrupta, sus escenas clave están llenas de la emoción y el peligro que definen la narrativa de Mann. Aunque “Ferrari” puede no alcanzar las alturas de las obras más celebradas de Mann, sigue siendo un testimonio de su robusto y enérgico estilo.
Ferrari – Trailer oficial
Movie information
// Moto Productions, Iervolino & Lady Bacardi Entertainment
// Director: Michael Mann
// Cast: Adam Driver, Penélope Cruz, Shailene Woodley, Sarah Gadon, Gabriel Leone, Jack O'Connell, Patrick Dempsey
SOBRE EL DIRECTOR
Tras terminar sus estudios en la Escuela Internacional de Cine de Londres, Michael Mann comienza su carrera como cineasta desarrollando algunos documentales, anuncios publicitarios y cortometrajes, por los que comienza a destacar como una joven promesa del cine. En 1975 comienza a trabajar como guionista para diversas series de televisión como Starsky y Hutch y Police Story. Dirige su primera película para televisión, Hombre libre en 1979 y posteriormente desarrolla otros títulos como Ladrón o El Torreón. El éxito llega en 1984 al crear y producir la exitosa serie de televisión Corrupción en Miami. Posteriormente llevará a cabo también La historia del crimen. En 1992 dirige El último mohicano, que le permitirá obtener un gran reconocimiento y ser considerado uno de los cineastas más talentosos de su generación. A lo largo de su carrera como actor desarrolla exitosos filmes que le consolidan como uno de los grandes productores, director y guionistas de todos los tiempos como Heat, El dilema (1999), -que le vale su primera nominación al Oscar como Mejor Director- Ali (2001), Collateral (2004), Al aviador (2004) o Enemigos íntimos (2009).
Score
7.5 [...]
Movie reviews
Pobres criaturas
SINOPSIS
Bella Baxter es una joven revivida por el brillante y poco ortodoxo científico Dr. Godwin Baxter. Bajo la protección de Baxter, Bella está ansiosa por aprender. Hambrienta de la mundanidad que le falta, Bella se escapa con Duncan Wedderburn, un sofisticado y perverso abogado, en una aventura vertiginosa a través de los continentes. Libre de los prejuicios de su época, Bella se vuelve firme en su propósito de defender la igualdad y la liberación.
Movie Short Review
English review
In “Poor Things,” the latest film from Yorgos Lanthimos, we find a quintessential Victorian coming-of-age story at its core, set against the backdrop of extravagant sets and a visual maelstrom of the flesh. A contender for the Venice Golden Lion, the film stands out as an unexpectedly moving tale, even among its more provocative scenes, striking a balance between wit and depth. Emma Stone delivers an exceptional performance as Bella Baxter, a character reminiscent of a cross between “Frankenstein” and “Pygmalion,” showcasing her significant comedic talent. Bella is a creature with the mind of an infant and the body of a woman, under the tutelage of the ‘mad scientist’ Godwin Baxter, played by Willem Dafoe, whom she affectionately calls God.
Bella and God share an unconventional life, engaging in macabre pastimes within their secluded home, depicted through extreme fish-eye lenses and immersed in a stark black-and-white color scheme. Despite Godwin’s monstrous appearance and his overprotective demeanor, there’s a tenderness in his relationship with Bella, whose mind begins to mature from childlike innocence to teenage self-discovery. As Bella starts to confront her burgeoning sexuality, she is drawn not only to Godwin’s chosen suitor, the meek Max McCandles (Ramy Youssef), but also to the immediate satisfaction offered by the charming Duncan Wedderburn (Mark Ruffalo), a man described with lewd candor and portrayed with a roguish charm by Ruffalo.
Lanthimos infuses Bella’s evolution with his signature touch of the absurd, reshaping social norms through a lens that renders the ordinary into the alien. Bella becomes the ideal heroine for Lanthimos’ vision—an erotic and disruptive figure, whose innocence and newfound sexual liberation create an intriguing contrast. As Bella journeys through a steampunk-inspired world, she encounters a variety of characters who introduce her to new concepts, from self-improvement philosophy to gloomy fatalism, broadening her mind and experiences in a society that simultaneously fascinates and repels her. Emma Stone’s portrayal captures Bella’s transformation, reflecting her intellectual growth with an increased elegance and awareness. In this film, Lanthimos seems to shift from his typically dark perspective to one that implies empowerment and liberation, intertwining the literary spirits of Mary Wollstonecraft and Mary Shelley.
Spanish review
En “Poor Things”, la última película de Yorgos Lanthimos, encontramos una clásica historia victoriana de maduración personal en su esencia, más allá de la extravagancia de sus escenarios y la vorágine de lo carnal en su estética visual. Contendiente al León de Oro de Venecia, la película destaca como un cuento inesperadamente conmovedor, aun entre sus momentos más provocativos, logrando un equilibrio entre ingenio y profundidad. Emma Stone ofrece una interpretación excepcional como Bella Baxter, un personaje que evoca una mezcla entre “Frankenstein” y “Pigmalión”, desplegando su notable talento cómico. Bella es una criatura con la mente de un infante y el cuerpo de una dama de compañía, guiada por el ‘científico loco’ Godwin Baxter, interpretado por Willem Dafoe, a quien llama cariñosamente Dios.
Bella y Dios comparten una vida poco convencional, entregándose a pasatiempos macabros en su hogar aislado, retratados con lentes ojo de pez extremos y sumidos en una paleta de blanco y negro marcada. A pesar de la apariencia monstruosa y la naturaleza sobreprotectora de Godwin, hay una calidez en su relación con Bella, cuya mente comienza a madurar desde la inocencia infantil hacia el autodescubrimiento adolescente. A medida que Bella comienza a lidiar con su sexualidad emergente, se ve atraída no solo por el pretendiente elegido por Godwin, el tímido Max McCandles (Ramy Youssef), sino también por la gratificación inmediata que ofrece el atractivo Duncan Wedderburn (Mark Ruffalo), un hombre descrito con una franqueza libidinosa y encarnado con encanto picaresco por Ruffalo.
Lanthimos aplica su característico toque absurdo en la evolución del personaje de Bella, redefiniendo las normas sociales a través de una lente que convierte lo cotidiano en algo alienígena. Bella se convierte en la heroína ideal para la visión de Lanthimos: una figura tanto erótica como disruptiva, cuya inocencia y recién descubierta libertad sexual crean un contraste fascinante. Mientras Bella viaja por un mundo inspirado en el steampunk, conoce a una variedad de personajes que la introducen a nuevas ideas, desde la filosofía de la auto-mejora hasta el fatalismo melancólico, ampliando su mente y sus experiencias en una sociedad que a la vez la fascina y repulsa. La actuación de Emma Stone captura la transformación de Bella, reflejando su crecimiento intelectual con un aumento correspondiente en gracia y conciencia. En esta película, Lanthimos parece alejarse de su perspectiva típicamente sombría hacia una que sugiere empoderamiento y liberación, entrelazando los espíritus literarios de Mary Wollstonecraft y Mary Shelley.
Pobres criaturas – Trailer oficial
Movie information
// Element Pictures, Film4 Productions, Fox Searchlight, TSG Entertainment.
// Director: Yorgos Lanthimos
// Cast: Emma Stone, Ramy Youssef, Christopher Abbott, Jerrod Carmichael, Mark Ruffalo, Willem Dafoe, Margaret Qualley
SOBRE EL DIRECTOR
Yorgos Lanthimos es un director, guionista y productor griego, nacido el 27 de mayo de 1973, en Atenas, Grecia. Egresado de la escuela de cine y televisión, la Hellenic Cinema and Television School Stavrakos, Yorgos pasaría parte de la década de los años 90 dirigiendo videos para compañías de danza en Grecia. Para 1995, empezaría a dirigir comerciales publicitarios y videos musicales, así como cortometrajes experimentales y obras de teatro. Lanthimos formó parte del equipo creativo que estuvo a cargo del diseño de la ceremonia de apertura y clausura de los Juegos Olímpicos de Atenas, en 2004. Debutaría, en largometrajes, codirigiendo con su mentor, el director Lakis Lazopoulos, la cinta My Best Friend (2001), para luego dirigir, en solitario, Kinetta (2005) y la celebrada cinta Dogtooh (2009), con la que ganaría fama internacional, siendo reconocido con el premio Una cierta mirada, en el Festival de Cannes de 2009. Dicha cinta también fue nominada a los premios de la Academia, en la categoría de mejor cinta extranjera. Tras dirigir la cinta Alps (2011), Lanthimos sería responsable de la cinta La langosta (2015), presente nuevamente en el Festival de Cannes. Recientemente sus trabajos incluyen la aclamada El sacrificio del ciervo sagrado(2017) y The Favourite (2018), ésta última es una cinta protagonizada por Emma Stone y Rachel Weisz, la cual ya suena como una de las posibles ganadoras de la temporada de premios del 2019.
Score
9 [...]
Movie reviews
Lift: Un robo de primera claseLa trenza
SINOPSIS
Una banda internacional de atracadores recibe el encargo de evitar un ataque terrorista. Para ello, debe llevar a cabo un atraco en un avión en pleno vuelo
Movie Short Review
English review
In “Lift,” Cyrus, portrayed with impeccable coolness, appears immune to the spotlight as he confidently makes his way to his seat at an auction, coordinating with his team through a microphone. The film starts on a strong note, introducing us to the dynamics between Cyrus and his team, which includes Denton (Vincent D’Onofrio), Camila (Úrsula Corberó), Magnus (Billy Magnussen), Mi-Sun (Yun Jee Kim), and Luke (Viveik Kalra), as they operate within the auction house. Lurking from the shadows is Interpol agent Abby (Gugu Mbatha-Raw), an ambitious federal agent, who is on a mission to capture Cyrus and his gang. Right from the start, the film shows its potential by building an understanding of the characters and their interactions, setting the stage for the looming action.
However, as the plot progresses with Cyrus and his team seizing both an NFT and its creator, the film falters in its narrative approach. “Lift” seems to lack trust in its audience, resorting to heavy exposition instead of opting for subtlety or suspense. This over-explained narrative diminishes the potential for insightful commentary on the world of visual art and the allure of stolen goods. Instead, the film takes a straightforward approach, with Cyrus explicitly detailing their heist plan and goals to the captured artist. This lack of subtlety and mystery prompts the critic to take refuge in a classic of the genre to remind themselves that heist movies can indeed be fun and captivating.
The real drama in “Lift” begins when Abby, after consulting with her colleague Huxley (Sam Worthington) from a more prestigious division of Interpol, reluctantly joins forces with Cyrus’ crew for a larger mission. Their target is Jorgenson (Jean Reno), a billionaire plotting to cause worldwide chaos through hacking. Abby’s plan involves enlisting Cyrus and his team to steal gold from a flight without Jorgenson catching on. The film reveals that Abby and Cyrus have a complex shared history, adding a personal layer to their professional collaboration. Despite the talents of Kevin Hart and Gugu Mbatha-Raw, their on-screen chemistry seems off-balance, and the screenplay does not develop their relationship adequately. Hart’s performance, although aiming for a more serious tone, lacks the charisma and natural playfulness that could have brought his character to life.
Despite these challenges, “Lift” gains momentum as the team undertakes their most ambitious heist yet, driven by the promise of a surveillance-free future. The heist scenes, albeit somewhat unrealistic, bring a dose of excitement and urgency to the film, thanks to director Gray’s adept handling of the action sequences. While these moments don’t fully redeem the film, they do add a level of excitement and help to mitigate its earlier shortcomings.
Spanish review
En “Lift”, Cyrus, interpretado con una frialdad impecable, parece inmune al centro de atención mientras se dirige con confianza a su asiento en una subasta, coordinando con su equipo a través de un micrófono. La película arranca con buen pie, presentándonos las dinámicas entre Cyrus y su equipo, que incluye a Denton (Vincent D’Onofrio), Camila (Úrsula Corberó), Magnus (Billy Magnussen), Mi-Sun (Yun Jee Kim) y Luke (Viveik Kalra), mientras se desenvuelven en la casa de subastas. Desde las sombras, la agente de Interpol Abby (Gugu Mbatha-Raw), una ambiciosa agente federal, acecha con el objetivo de capturar a Cyrus y su banda. Desde el principio, la película muestra su potencial al construir un entendimiento de los personajes y sus interacciones, preparando el escenario para la acción que se avecina.
Sin embargo, a medida que la trama avanza y Cyrus y su equipo capturan tanto un NFT como a su creador, la película flaquea en su enfoque narrativo. “Lift” parece no confiar lo suficiente en su audiencia, recurriendo a una exposición forzada en lugar de optar por la sutileza o el suspense. Esta narrativa sobreexplicada merma la posibilidad de realizar comentarios sobre el mundo del arte visual y el encanto de los bienes robados. En lugar de ello, la película adopta un enfoque directo, con Cyrus detallando explícitamente su plan de robo y sus objetivos al artista secuestrado. Esta falta de matices y misterio lleva a la crítica a refugiarse en un clásico del género para recordar que las películas de atracos pueden ser divertidas y cautivadoras.
El verdadero drama de “Lift” comienza cuando Abby, después de consultar con su colega Huxley (Sam Worthington) de una división más prestigiosa de Interpol, se alía a regañadientes con la tripulación de Cyrus para una misión más grande. Su objetivo es Jorgenson (Jean Reno), un multimillonario que conspira para causar caos global a través del hackeo. El plan de Abby implica reclutar a Cyrus y su equipo para robar oro de un vuelo sin que Jorgenson se entere. La película revela que Abby y Cyrus comparten un pasado complejo, añadiendo una dimensión personal a su colaboración profesional. A pesar del talento de Kevin Hart y Gugu Mbatha-Raw, su química en pantalla parece desacompasada, y el guion no desarrolla adecuadamente su relación. La interpretación de Hart, aunque busca un tono más serio, carece de la carisma y la jovialidad natural que podrían haberle dado vida al personaje.
A pesar de estos desafíos, “Lift” cobra impulso a medida que el equipo se embarca en su atraco más ambicioso, motivado por la promesa de un futuro libre de vigilancia. Las escenas del atraco, aunque algo poco realistas, inyectan una dosis de emoción y urgencia a la película, gracias a la competente dirección de Gray en las secuencias de acción. Aunque estos momentos no redimen completamente la película, añaden cierto grado de emoción y ayudan a mitigar las deficiencias anteriores.
Lift: Un robo de primera claseLa trenza – Trailer oficial
Movie information
// Netflix
// Director: F. Gary Gray
// Cast: Kevin Hart1, Gugu Mbatha-Raw1, Vicente D'Onofrio1, Úrsula Corberó1, Billy Magnussen
Score
5 [...]
Movie reviews
Anatomía de una caída
SINOPSIS
Sandra, una escritora alemana, vive con su marido Samuel y su hijo ciego, Daniel, en un chalé en medio de los Alpes franceses. Cuando Samuel fallece en misteriosas circunstancias, la investigación no puede determinar si se trata de un suicidio o de un homicidio. Sandra es arrestada y juzgada por asesinato, y el proceso pone su tumultuosa relación y su ambigua personalidad en el punto de mira.
Movie Short Review
English review
Justine Triet’s film “Anatomy of a Fall,” winner of the prestigious Palme D’Or, masterfully portrays a complex woman through a courtroom drama. Sandra Hüller shines in her role, playing a widow who could either be a cunning husband-killer or a fiercely independent and challenging bisexual woman. This multifaceted character presents unique challenges in the legal realm. Initially slow to captivate the audience, the film gradually transforms into an absorbing and provocative drama, largely due to Hüller’s subtle and detailed performance. “Anatomy of a Fall” echoes the themes of Triet’s previous work, “Sibyl” (2019), especially in its exploration of artists and authority figures grappling with moral complexities. Despite a slow start, the film gains momentum and is expected to be well-received on streaming platforms, following its success in theaters.
The story is set in the French Alps and begins with the discovery of a lifeless body in the snow outside a family home. The deceased is Samuel, a struggling writer, found by his wife Sandra, a successful novelist, and their 11-year-old son, Daniel. Sandra’s reaction to her husband’s death is enigmatic, prompting the audience to wonder whether her grief is genuine or a façade. This mystery becomes a central theme, as the film delves into how we perceive and judge strangers. Sandra’s decision to hire Vincent, a defense lawyer and her former lover, adds more complexity to the plot. This choice not only raises questions about her judgment but also triggers scrutiny from an aggressive state prosecutor and the media, who dissect Sandra’s novels for clues to her alleged immorality.
The film also focuses on Daniel, a partially-sighted boy convincingly portrayed by Graner, who finds himself in a difficult situation. He is placed under the protection of a court guardian to shield him from his mother’s potential influence. This aspect of the story highlights the treatment of minors in the French legal system in court cases, showing the immense pressure Daniel faces from investigators and prosecutors. Triet’s innovative use of sound and visuals is notable, employing primary colors, interviews, recordings, and police reconstructions to enhance the narrative. The story fluidly transitions between audio recordings and flashbacks, enriching the storytelling. The use of diegetic music, such as a steel band playing calypso and a piano rendition of Isaac Albéniz’s ‘Asturia’ (Leyenda), effectively contributes to the film’s tense and cyclical atmosphere.
Spanish review
La película “Anatomía de una Caída” de Justine Triet, ganadora del prestigioso Palme D’Or, retrata magistralmente a una mujer compleja a través de un drama judicial. Sandra Hüller brilla en su papel, interpretando a una viuda que podría ser tanto una astuta asesina de su marido como una mujer bisexual independiente y desafiante. Este personaje multifacético presenta desafíos únicos en el ámbito judicial. Aunque inicialmente la película tarda en captar la atención del público, poco a poco se convierte en un drama absorbente y provocador, en gran parte gracias a la actuación sutil y detallada de Hüller. “Anatomía de una Caída” tiene ecos temáticos de la obra anterior de Triet, “Sibyl” (2019), especialmente en la exploración de artistas y figuras de autoridad que se enfrentan a complejidades morales. A pesar de un comienzo lento, la película gana ritmo y se espera que tenga una buena acogida en las plataformas de streaming, siguiendo su éxito en cines.
La historia se ambienta en los Alpes franceses y comienza con el hallazgo de un cuerpo sin vida en la nieve, fuera de una casa familiar. El fallecido es Samuel, un escritor en apuros, encontrado por su esposa Sandra, una novelista exitosa, y su hijo de 11 años, Daniel. La reacción de Sandra ante la muerte de su esposo es enigmática, haciendo que la audiencia se pregunte si su dolor es genuino o una fachada. Este misterio se convierte en un tema central, ya que la película profundiza en cómo percibimos y juzgamos a los desconocidos. La decisión de Sandra de contratar a Vincent, un abogado defensor y su antiguo amante, añade más complejidad a la trama. Esta elección no solo plantea dudas sobre su juicio, sino que también desencadena un escrutinio por parte de un fiscal estatal agresivo y de los medios de comunicación, que analizan las novelas de Sandra en busca de indicios de su supuesta inmoralidad.
El filme también se centra en Daniel, un niño parcialmente ciego interpretado de manera convincente por Graner, quien se encuentra en una situación complicada. Está bajo la protección de un tutor judicial para evitar la influencia de su madre. Este aspecto de la historia pone de relieve el trato que el sistema legal francés da a los menores en casos judiciales, mostrando la enorme presión que sufre Daniel por parte de investigadores y fiscales. El uso innovador de sonido e imagen por parte de Triet es destacable, empleando colores primarios, entrevistas, grabaciones y reconstrucciones policiales para mejorar la narrativa. La historia fluye entre grabaciones de audio y flashbacks, enriqueciendo el relato. La utilización de música diegética, como una banda de acero tocando calipso y una versión al piano de ‘Asturia’ (Leyenda) de Isaac Albéniz, contribuye eficazmente al ambiente tenso y cíclico de la película.
Anatomía de una caída – Trailer oficial
Movie information
// Les Films Pelléas, Les Films de Pierre
// Director: Justine Triet
// Cast: Sandra Hüller, Swann Arlaud, Milo Machado Graner, Antoine Reinartz, Samuel Theis, Jehnny Beth, Camille Rutherford
SOBRE EL DIRECTOR
Justine Triet es una cineasta francesa, nacida el 17 de julio de 1978, en Fécamp, Francia. Comenzó sus estudios en la École national supérieure des beaux-arts de Paris a la edad de 20 años y se graduó en 2003. Durante sus estudios, trabajó en estrecha colaboración con la fotógrafa alemana Barbara Leisgen y obtuvo su primera experiencia como guionista en colaboración con Thomas Levy-Lasne. Su carrera inicio en cortometrajes documentales de corriente política, para después enfocarse en la ficción primordialmente. En años recientes, Triet ha dirigido celebradas películas como Victoria (2016), Sibyl (2019) y esta por presentar su reciente cinta, en Cannes, Anatomie d’une chute (2023)
Score
8.5 [...]
Movie reviews
Beekeeper: El protector
SINOPSIS
La brutal campaña de venganza de Adam Clay (Jason Statham) adquiere tintes nacionales tras revelarse que es un antiguo agente de una poderosa organización clandestina conocida como “Beekeeper”.
Movie Short Review
English review
Jason Statham, famous for his roles as a transporter, mechanic, and spy, now stars in “The Beekeeper,” a B-movie set to be released in theaters on January 12th. Directed by David Ayer and written by Kurt Wimmer, this film returns Statham to an action-packed setting, albeit with a touch of unintentional humor. “The Beekeeper” is essentially a John Wick imitation, presenting vigilante violence with a seriousness that comically contrasts with its absurd plot. The proficient fight sequences are overshadowed by this humor, making it a unique addition to Statham’s filmography.
The plot centers around Adam Clay (played by Statham), a man of few words who deeply cares for his neighbor, Eloise (Phylicia Rashad). After finding Eloise dead, presumably by suicide, he becomes embroiled in a mystery involving a phishing scam led by Garnett (David Witts), a villainous character who runs his operations like a high-tech Las Vegas nightclub. The film portrays data-mining scams as flashy enterprises, a concept as unrealistic as the rest of the movie’s events. Once cleared of suspicion and aware of the fraud, Statham’s character embarks on a mission of revenge, declaring his intention to destroy Garnett’s operation. The film is filled with bee-related metaphors and statements, almost comically due to its repetitiveness, as Clay continually reaffirms his identity as a beekeeper protecting his hive.
The antagonist of Clay’s wrath is Derek (Josh Hutcherson), a stereotypical privileged tech bro, and his partner Wallace (Jeremy Irons), a former CIA chief. Despite the efforts of these adversaries, Clay, a retired beekeeper and super-soldier, is unstoppable in his pursuit of justice. The film’s climax features Clay crashing a lavish party to confront the villains, showcasing Statham’s signature combat skills. Although “The Beekeeper” may not compare to Statham’s more acclaimed films like “Transporter” or his work with Guy Ritchie, it offers a different kind of entertainment with its over-the-top extravagance and action-packed sequences. It may not be a cinematic masterpiece, but it allows Statham to shine in what he does best: dispensing justice with his fists.
Spanish review
Jason Statham, famoso por sus papeles de transportista, mecánico y espía, ahora protagoniza “The Beekeeper”, una película de serie B que se estrenará en cines el 12 de enero. Dirigida por David Ayer y escrita por Kurt Wimmer, esta película devuelve a Statham a un entorno de acción, aunque con un toque de humor involuntario. “The Beekeeper” es básicamente una imitación de John Wick, presentando violencia vigilante con una seriedad que contrasta cómicamente con su trama absurda. Las competentes secuencias de lucha quedan eclipsadas por este humor, convirtiéndola en una adición única a la filmografía de Statham.
La trama se centra en Adam Clay (interpretado por Statham), un hombre de pocas palabras que se preocupa profundamente por su vecina, Eloise (Phylicia Rashad). Tras encontrar a Eloise muerta, presuntamente por suicidio, se ve envuelto en un misterio relacionado con una estafa de phishing liderada por Garnett (David Witts), un personaje malvado que dirige sus operaciones como un club nocturno de alta tecnología en Las Vegas. La película muestra las estafas de minería de datos como empresas llamativas, un concepto tan poco realista como el resto de los eventos de la película. Una vez exonerado y consciente del fraude, el personaje de Statham se embarca en una misión de venganza, declarando su intención de destruir la operación de Garnett. La película está llena de metáforas y declaraciones relacionadas con las abejas, lo que le da un toque casi cómico por su repetitividad, mientras Clay reafirma continuamente su identidad como apicultor protegiendo su colmena.
El antagonista de la ira de Clay es Derek (Josh Hutcherson), un típico joven tecnológico y privilegiado, y su socio Wallace (Jeremy Irons), un exjefe de la CIA. A pesar de los esfuerzos de estos adversarios, Clay, un apicultor retirado y super soldado, es imparable en su búsqueda de justicia. El clímax de la película muestra a Clay irrumpiendo en una fiesta lujosa para enfrentarse a los villanos, mostrando las habilidades de combate características de Statham. Aunque “The Beekeeper” no se compara con películas más aclamadas de Statham como “Transporter” o su trabajo con Guy Ritchie, ofrece un tipo diferente de entretenimiento con su extravagancia exagerada y secuencias llenas de acción. Puede que no sea una obra maestra cinematográfica, pero permite a Statham brillar en lo que mejor sabe hacer: impartir justicia con sus puños.
Beekeeper: El protector – Trailer oficial
Movie information
// Metro-Goldwyn-Mayer (MGM)
// Director: David Ayer
// Cast: Jason Statham, Emmy Raver-Lampman, Josh Hutcherson, Bobby Naderi, Minnie Driver, Phylicia Rashad y Jeremy Irons.
SOBRE EL DIRECTOR
David Ayer es un director, guionista y productor norteamericano, nacido el 18 de enero de 1968, en Champaign, Illinois, Estados Unidos. Aunque su familia se mudó a Minnesota y, posteriormente, a Maryland, debido a su rebeldía y su indisciplina recurrente, lo corrieron de su casa sus propios padres cuando todavía era todavía joven. Derivado de esto, David se fue a vivir a Los Angeles, donde su primo le ofreció asilo. El hogar de su primo estaba en la conflictiva área de la ciudad, conocida como South Central, lugar predilecto de pandillas y delincuentes. Estas experiencias le sirvieron, en años futuros, para sus duros y violentos guiones.
Score
6 [...]